El Héroe #1

GUION Y DIBUJOS: David Rubín
EDITORIAL: Astiberri
PVP: 25,00 €


Tomo tapa dura, 18x24,5 cm., 280 pag., color.

Ampliamente aclamada y comentada, aunque en ocasiones malinterpretada, esta obra va camino de convertirse en uno de los referentes más importantes en la carrera artística de su autor, que se abre camino en el panorama comiquero nacional. Efectivamente, tras algunos trabajos de envergadura y proyección entre crítica y aficionados, David Rubín ha escogido la vía de aventurarse en un proyecto complicado, que muchos tacharían de locura en la situación editorial que vivimos.

En esta obra el autor es, sobretodo, fiel a sí mismo, y pretende ofrecer al cómic algo a cambio de lo mucho que el noveno arte le ha proporcionado en su carrera vital. Un proyecto imposible de emprender de carecer con el apoyo incondicional de la industria, a modo de un equipo colaborador muy profesional, y ya avezado en estas lides.

La relación de la historia con los mitos griegos es obvia, muletilla imprescindible para desencadenar la trama que prepara Rubín. Heracles es hermano de Euristeo, y debido a manejos y ardides, su obligado servidor. Uno tras otro, se verá incitado a realizar una serie de tareas, que pondrán a prueba todos sus valores, le permitirán madurar, y lo convertirán en el hombre que pretende ser.

Cómo se forja un héroe? Qué sentimientos esconden su impenetrable piel y su pétreo rostro, siempre confiado, transmitiendo seguridad en sí mismo? Somos lo que hacemos, u operamos como consecuencia de nosotros mismos? Estoy convencido que obtendremos, antes o después, las respuestas a estos dilemas, en el segundo volumen de la obra.

Cabe destacar los mejores triunfos del autor, a saber: un manejo generoso del color, y una habilidad profesional de la composición, capaces por sí mismos de narrar cualquiera que sea el propósito del artista. Ha sabido apostar, además, por un punto de vista no exento de humor, recurriendo a anacronismos varios que pueden chirriar si no vamos predispuestos. Pero no quiero olvidar subrayar el trato independiente que ofrece a cada episodio, a cada una de las labores impuestas al héroe, de modo que se intuye la evolución del personaje hacia el instante que nos conduce el señor Rubín.

Ansioso estoy por recibir la conclusión de esta obra, que entiendo se hará esperar, por la complejidad implícita de la labor. Imagino una tendencia más oscura en el desarrollo del personaje, algo que ya se apunta tras el autoanálisis, pero las sorpresas nunca terminan cuando tratas con un tipo capaz de perseguir a su presa durante un año, o de perseguir un sueño durante toda una vida.


Valoración: 7,5/10

The Boys #8. El afable escocés

GUION: Garth Ennis
DIBUJOS: John McCrea
EDITORIAL: Norma
PVP: 14,00 €


Tomo tapa blanda, 14 pags., color, tamaño 17x26 cm. Recopila The Boys: Highland Laddie 1-6 USA.

Puntualmente, tras cada entrega de esta colección, publico una reseña comentando mis impresiones de cada ejemplar. Y ya van ocho números los publicados en España, aunque en esta ocasión nos apartamos ligeramente de la trama principal, y nos dedicamos a una miniserie suplementaria de la colección madre.

El protagonista casi absoluto en esta ocasión es Hughie, el chico escocés que pasó a engrosar las filas de The Boys en su lucha contra los superhéroes descontrolados. Poca cosa sabíamos de él, y ahora aprovechamos su regreso a casa para conocer algo de su pasado, su infancia, sus primeras amistades, y su relación paterno-filial.

Garth Ennis vuelve a recurrir a algunos de sus tics más repelentes para concretar el entorno de la historia. El lector apreciará mi comentario cuando conozca a los mejores colegas de Hugh, unos tipos raros de narices: un sujeto que desprende permanentemente un horrible tufo, que soporta gracias a su máscara de gas, y un enorme aspirante a transexual con el atractivo de una morsa en pijama.

Más allá de eso, profundizaremos en las inquietudes y culpabilidades que convierten al eje de la serie en la persona que se ha convertido, y que tiene la oportunidad de hacer las paces con su chica, si es capaz de tragarse su maldita hipocresía, y seguir manteniendo una farsa de relación.

El dibujante en este respiro editorial es John McCrea (lo crean o no; es un chiste, ríete). Todos conocemos su afinidad con el guionista, y sus magníficos resultados trabajando con Demon o Hitman, pero habitualmente su labor deja mucho que desear, y todos queremos de regreso al dibujante titular de la colección, un auténtico fuera de serie. No importa qué favores le debe Ennis a McCrea, pero creo que ya se los ha pagado con creces, cretino!

Y ya lo tenemos, seis números bien empaquetados en un volumen, cuya lectura es superflua para mantener el contacto con la colección, pero que los chicos de Norma, muy listos ellos, han decidido proseguir con la numeración raiz. Al menos el autor ha podido congraciarse con esa extraña vena suya, que le obliga a contar historias vacuas sentado en la mesa de una taberna, gastando saliva sin llegar a parte alguna.


Valoración: 5,5/10

Alicia en el País de las Maravillas

GUION: Leah Moore, John Reppion
DIBUJOS: Erica Awano
EDITORIAL: Panini
PVP: 19,95 €


Tomo tapa dura, 18 x 26,5 cm., 176 pag., color. Contiene The Complete Alice in Wonderland 1-4 USA.

En los últimos años, las andanzas de la joven Alicia, personaje fruto de la imaginación de un ilustre matemático (entre otras cosas) conocido como Lewis Carroll, han gozado de una peculiar notoriedad. Parte de la culpa, como suele suceder, la tienen versiones cinematográficas, que acercan el concepto a un mayor potencial de población.

Aunque siempre siento cierto recato a la hora de conocer determinadas adaptaciones, debo admitir que este personaje disfruta de peculiares puntos de vista. Especial mención al Lost Girls de un destapado Alan Moore, el estudio en perspectiva de Bryan Talbot, o algo más cercana, un hermoso trabajo de Chauvel y Collette al que ya hice referencia en su momento.

Nuevamente, he disfrutado de la labor ejercida en la pequeña Alicia, ahora bajo la batuta de Leah Moore (hija del susodicho maestro), en colaboración con John Reppion. Muchos de los pasajes imprescindibles en el relato original, que disfruté hace ya unos años, han sido trasladados de manera brillante a la viñeta. No hecho de menos la narrativa fantástica y desconcertante de la que hace gala la novela, pues satisface con creces su presencia en las viñetas.

Awano es un dibujante muy cercano a la animación, infantilizando a sus criaturas hasta el extremo del absurdo. El resultado recuerda demasiado a ese lastre cultural que heredamos de Disney, pero sin duda acerca la consciencia de la obra a un punto de vista eminentemente infantil.

El mercado de cómic americano me está regalando, los últimos años, con auténticas maravillas en forma de adaptaciones literarias. Este ejemplar no está a la altura de The Wonderful Wizard of Oz, pero desde luego disfruta de un singular respeto por los libros originales.


Valoración: 7/10

Blacksad #2. Arctic-Nation

GUION: Juan Díaz Canales
DIBUJOS: Juanjo Guarnido
EDITORIAL: Norma
PVP: 13,00 €


Álbum 56 pgs color, tapa dura, tamaño 23,5x31 cm.

Y aquí estoy de nuevo. No pensaríais que iba a dejaros en la estacada, con el bocado a medio digerir, sin narrar mis experiencias. Aunque imaginaba que publicarían mis memorias como si fueran una novela policiaca, nunca creía capaz de adaptarlas a la viñeta; la gente es muy morbosa, pero no sabía hasta qué punto.

En esta ocasión me alejo de las callejas de la gran ciudad, y fijo mi atención en un barrio deprimido, donde la miseria aflora las divergencias raciales. El poder negro y la supremacía blanca encuentran en la pobreza y el descontento abono para su desarrollo, pero no estoy muy dispuesto a seguirles el juego, mientras una niña secuestrada paga el pato.

Política y corrupción asoman la cabeza de la ratonera, y contaré con un apestoso aliado del cuarto poder para amortiguar la crudeza de la trama, pues aporta el nefasto humor fácil que tanto detesto. Concesión que le perdono a Canales, que por lo demás sabe construir una historia con cuatro patas y rabo.

Una vez más, el dibujo de Guarnido proporciona identidad al álbum, convirtiendo el estilo antropomórfico de los personajes en auténtico arte. El rapaz sabe cómo arrancar una sonrisa de un ave muerta, y cómo enfocar odio e intolerancia en un cariñoso y protector oso polar.

Siempre encontrarás alguien dispuesto a pergeñar contra mis experiencias ilustradas, y siempre encontrarás el cañon de un ’39 resolviendo diferencias, cuando yo ande cerca. Y soy silencioso, por lo que sabrás que ando emboscado cuando sientas el frío acero contra tu espalda. Las cosquillas que sientes en la nuca son mi cálido aliento.


Valoración: 7,5/10

Wednesday Comics

GUION Y DIBUJOS: VVAA
EDITORIAL: Planeta
PVP: 40,00 €


Tomo tapa dura, formato grande, 26x37 cm., 200 pag., color. Recopila Wednesday Comics 1-12, Oversized Hardcover extras USA.

Bajo la cabecera de Wednesday Comics, la editorial DC encuentra una buena excusa para reunir a grandes (y medianos) autores, encargados de algunos de sus más flamantes protagonistas de sus cómics. Cada uno de ellos aparecerá en unas pocas páginas, pero tendrán suficiente para desplegar su talento y habilidades.

El planteamiento nace de la idea de emular ediciones de periódicos, a la manera de una página de gran tamaño, con periodicidad diaria, y el consiguiente “continuará” que convertía al lector en un ávido ser desesperado por conocer la consecución de la historia. Eso de por sí ya supone una interesante y digna propuesta narrativa.

Pero no nos engañemos, pues el gran formato de página permite el lucimiento de los artistas, que no se cortan un pelo para desplegar sus habilidades y técnicas sin corsés ni plazos de entrega, u obligaciones estructurales. Naturalmente, la variabilidad del proyecto origina enormes diferencias cualitativas en el trabajo definitivo, por lo que he decidido comentar cada historia por separado. Tenemos tiempo?

Abrimos bocado con Batman, de Azzarello y Risso, como ejemplo de dos artistas capaces de repetirse hasta la saciedad, y de copiarse impunemente. El personaje se vende solo, pero provoca la sensación de leer lo mismo por enésima vez. Aún así, sigue siendo buenísimo, si te gusta el equipo creativo.

Kamandi de Gibbons y Ryan Sook me ha sorprendido enormemente, teniendo en cuenta que lo protagoniza un personaje alieno totalmente a mis previos conocimientos. Aprovechan al máximo las posibilidades del esquema narrativo del libro, y el dibujo es poco menos que extraordinario.

Superman de Arcudi y Bermejo, otro dúo que repite, ofrece lo que promete, satisfaciendo con creces a los lectores que ansían una trama original (si todavía cabe este adjetivo con el hombre de acero), y un dibujo marca de la casa, acentuando relieve y dimensiones.

Deadman de Dave Bullock y Vinton Heuck, sorprende nuevamente con un argumento pretendidamente tramposo, pero que el audaz lector sabrá interpretar con cierta distancia, y le permitirá disfrutar con otros matices del trabajo, como un dibujo moderno y arriesgado.

Green Lantern de Busiek y Quiñones, me presenta ese personaje ahora tan en boga entre los lectores habituales, pero que a mí siempre se me ha escapado; y lo lamento tras leer estas pocas páginas, con una trama bien compuesta, un personaje atractivo (éste no se volvía loco y destruía la ciudad?), y un dibujo que encaja estupendamente.

Metamorpho de Gaiman y Allred, supone el pináculo ecléctico del volumen para este humilde lector. Con autores de estas características, encuentras exactamente lo que prometen, introduciendo a un personaje que ya moría en las páginas de Sandman, y evocando permanentemente a un tal Madman.

Teen Titans de Berganza y Galloway, el mayor altibajo del libro, o a mí me lo pareció, pues desconozco absolutamente a los protagonistas, y francamente, poco interés me han despertado. Se entiende que el dibujo es muy moderno, pero no hay manera de rescatar estas páginas. Nunca es el fin! Por favor…

Adam Strange de Paul Pope, es probablemente el mejor ejemplo de cómic de autor, adaptado a un personaje mainstream (más o menos) del cómic americano. Este buen hombre sorprendió a propios y extraños con su visión del hombre murciélago, y logra lo mismo en cien viñetas con esta propuesta.

Supergirl de Palmiotti y Amanda Conner, quiere hacernos reir, algo que no buscaba cuando invertí mis cuarenta euros. Alguna sonrisa me ha arrancado, con una historia hueca de contenido y propósito, y un dibujo muy adecuado y colorido para una serie regular infantil, como podría ser el caso.

Metal Men de Dan Didio, José Luís García López, y Kevin Nowlan, no resulta tan panoli como podría parecer en principio. Unos personajes surgidos de una mentalidad lineal, con un discurso cómico a ultranza, pero que esconden una realidad y una moraleja más profunda que las viñetas que los contienen.

Wonder Woman de Ben Caldwell, nos ofrece unos dibujos espectaculares, con sus catorce letras, nacidos en la industria de la animación. Ahora bien, la historia es infumable, y lo que es peor, es un cómic difícil de leer, que no lleva a ninguna parte. Imposible seguir el paso.

Sgt. Rock de Adam Kubert y Joe Kubert, nos demuestra que el tiempo no pasa en balde, y retirarse a tiempo ahorra vergüenza. Aunque el dibujo conserva la frescura que cabría esperar, no merece el espacio destinado en este ejemplar; por otro lado, el argumento es terrible, lamentable, e ignominioso.

Flash de Kerschl y Fletcher, en una de sus paradojas temporales, juega con su condición viajero de cronos con una historia simpática y suficientemente original. Las ilustraciones son hermosas, capaces de convertir a un pagano en un potencial admirador del personaje.

Demon y Catwoman comparten una historia de Simonson y Stelfreeze, bastante banal en su conducción y conclusión, que se salva apenas por unos dibujos muy por debajo de las posibilidades del artista.

Hawkman de Kyle Baker cierra el libro, con una trama que, de acuerdo con la manera de hacer del autor, comienza de manera surrealista, para pasar a un aspecto aún más absurdo si cabe. Giros argumentales en pocas páginas que nos conducen de modo sorprendente.

Acabamos el relleno con un par de páginas adicionales, unos bocetos, y biografías seleccionadas. Ahora, con conocimiento de causa, podemos justificar si merece el gasto importante que desembolsamos para adquirir este pedazo de tomo. En todo caso, el formato queda más que justificado, y el contenido, en su mayor parte, está por encima del nivel de calidad exigido en estos casos.


Valoración: 7,5/10

Cecil y Jordan en Nueva York

GUION Y DIBUJOS: Gabrielle Bell
EDITORIAL: La Cúpula
PVP: 20,00 €


Tomo tapa dura, 160 páginas color y B/N, 17 x 24 cm.

Cecil y Jordan en Nueva York es el título de un fragmento, un breve relato escogido para representar el conjunto del libro. Uno más entre una buena docena de ejemplos de literatura gráfica evacuada a modo muy personal, con lo que nos topamos ante una obra de tintes autobiográficos e intimistas.

Qué puede ofrecer Gabrielle Bell que no encontraremos en una oferta más genérica? Lo más sorprendente y estimulante de esta autora es el uso de la irracionalidad, infantilizada a fuerza de su propio estilo, pero evitando cualquier muestra de moralina o docencia implícita. Las referencias a la Alicia de Carrol, o los sueños del pequeño Nemo, acuden a la mente del lector, que asiste entre estupefacto y divertido a la resolución de las historias.

No todos los pedazos de realidad son fruto de la mente más imaginativa, pues aporta una gran dosis de experiencia propia en muchos de sus relatos. Así conocemos su lado artístico florecer en una joven ingenua, aficionada a las artes plásticas, que se abre camino en un mundo siempre hostil y agresivo. Tendencia biográfica imprescindible en una artista de tintes independientes.

Toda su labor, ilustrada de modo igualmente personal, con un estilo siempre muy limpio y límpido. Trazos agradables y delicados, lejos de agresivas propuestas propias del movimiento “indie”. El uso del color, prácticamente residual, acentúa no obstante sus pretensiones amables, y terminan de caracterizar su ya acentuadas maneras.

Lectura amena, que arranca alguna sonrisa de asombro o sorpresa. Aunque permaneceré pendiente de sus futuros trabajos, a poder ser una obra de envergadura, puedo intuir una tendencia positiva nacida de un buen germen. Y una vez más, tirón de orejas a la editorial, parca y avara en cuanto a información sobre lo que voy a leer.


Valoración: 5,5/10

Logicomix

GUION: Apostolos Doxiadis, Christos H. Papadimitriou
DIBUJOS: Alecos Papadatos
EDITORIAL: Sinsentido
PVP: 24,00 €


Tomo tapa blanda con solapas, 17x24 cm., 352 pag., color

Debo reconocer que, en esta ocasión, sufrí un grave engaño con respecto a este cómic. No temo a prospectos publicitarios o anaqueles dogmáticos en la foma de viñetas, pues he aprendido, con el paso de los años, a reconocer el arte en el empeño tanto como el resultado. Por eso mismo, una novela gráfica inspirada en las matemáticas, que acercara al lector al apasionante mundo de las ciencias exactas, no era algo que precisamente me alejara del producto.

Ocurre que, una y otra vez, en todos los rincones del libro, se me aseguraba no era un tratado científico, ni un riguroso repaso histórico a los apasionantes momentos que han vivido los estudiosos, allá en la biblioteca, o enganchados a interminables fórmulas. Juraban se trataba de acercarnos a la pasión que destilaban los genios, seres humanos totalmente involucrados en el desarrollo intelectual del ser humano. Una historia de sentimientos y entusiasmo.

A estas alturas de la reseña, huelga decir que piqué como un panoli; pero para evitar que otros sigan mis pasos, envío esta señal de alerta, para avisar de la trampa. El libro no es más que una biografía ilustrada de un matemático de nivel, británico de nacimiento y de apellido Russell, que reescribió el modo de entender la ciencia madre, a través de complejos postulados lógicos.

Si al menos hubieran seguido sus propias premisas, y nos hubiesen presentado al hombre, con sus dudas y sus proezas, el resultado podría ser más interesante y ameno, como demuestran otros ejemplos en cine y literatura basados en la vida de genios científicos, y que lejos de ser un plomo existencial, amenizan al espectador. Pero poco de eso hay.

La labor gráfica está por encima de la media, si aceptas la escuela del “quién es quién”, con una serie de elementos faciales dibujados sobre una base común. Nada puede no obstante sobrellevar la pesada carga que supone pasar página. Podéis advertir que he obviado hablar de los autores, griegos de nacionalidad, y la pereza me impide recordar sus nombres, pues estoy seguro que jamás volveré a oirlos, menos escribirlos, gracias.

Quieres que aprendamos algo decente, aunque sea por medio de dibujitos? Pues narra una historia con cara y ojos. Quieres justificar la necesidad de cómics, implicando la docencia en el asunto? Gracias pero no, gracias. Me gusta el medio tal y como está, sin tener que rendir cuentas. Que no te engañen.


Valoración: 3/10

Cash. I see a darkness

GUION Y DIBUJOS: Reinhard Kleist
EDITORIAL: Planeta
PVP: 13,95 €


Tomo 224 pgs b/n, tapa dura, tamaño 17x24 cm.

Johnny Cash es una leyenda de la música. A cualquier despistado ignorante de la reciente historia musical, le sonará su nombre, a la altura de tipos como Elvis o Dylan. Y si por un casual eres un auténtico aficionado, identificarás al personaje como uno de esos iconos mayestáticos del pasado siglo.

Todo ello es motivo suficiente para dedicarle un pedestal, una película, e incluso una novela gráfica, atendida por uno de esos auténticos amantes de la guitarra. Reinhard Kleist se ha decidido a dar ese importante paso, inspirado en la vida y obra de tan sensacional cantautor.

Por mi parte, todo este asunto ni fu ni fa. Lo mismo una naranja que una mandarina, un tema country de Texas como un blues a la orilla del Mississipi. Tengo un oido que podría pertenecer a un leño, para el uso artístico que le doy. Por ello todo este asunto icónico de música leyenda me viene un poco de lejos, y me lo miro a esa distancia, sin acabar de tomármelo en serio.

Traducido a una crítica literaria de un cómic sobre la vida de un rockero, que sobra, que está de más, que poco o nada aporta a una cabeza hueca como la mía. A la manera fiel del fan, el autor alemán nos muestra la vida de su emblemático ídolo, desde una difícil infancia en la dura y prometedora tierra de los USA, hasta el estrellato universal, con su buena dosis de adición a unas drogas que prometen y cumplen, pero luego exigen retribución.

Me ocurrió algo parecido, recientemente, tras leer El sueño de Meteor Slim, una obra que me prometen fascinante, pero que desde el punto de vista más técnico, o incluso más ambiguo del lector imparcial, se queda en chufa, apta solamente para lectores con bufanda de color. Del color del personaje retratado, obvio.


Valoración: 3,5/10

La Biblioteca de Lucien. Orquidea Negra

GUION: Dick Foreman
DIBUJOS: Rebecca Guay
EDITORIAL: Planeta
PVP: 35,00 €


Tomo tapa blanda, 560 pgs, color. 15 x 23 cm. Recopila: Black Orchid #1-22, Swap Thing 139 USA.

Hace ya no pocos años, un movimiento de origen británico conmocionó el mundillo del cómic norteamericano de terror. El asunto tuvo secuela, y maestros como Moore, Delano, u otros, dejaron huella en lo que se acabaría convirtiendo en cimientos de un cómic dirigido al lector adulto. Ellis nos ofreció un bonito panorama en un episodio de Planetary, pero ese es otro cantar.

Un Gaiman en estado de gracia, acompañado de su amigo talismán McKean, la emprendió con un personaje olvidado, dispuesto a revitalizarlo y proporcionar otra fuente de buenas historias a la biblioteca de la editorial. El experimento naufragó, pero los maduros aficionados siempre estamos dispuestos a otorgar segundas oportunidades, más si un oráculo como Neil opina que hay filón.

Por eso nació esta serie, con nuestra querida Orquídea Negra de protagonista, y su pequeña hermana Suze haciéndose un hueco aquí y en otras series Vertigo, como empezaba a conocerse la línea adulta. Inevitablemente comparada con una serie como Swamp Thing, de recorrido irregular debido a la disparidad de guionistas implicados, la chica púrpura buscaba su identidad, su espacio en el naciente universo, sin demasiado éxito.

La culpa la tiene esa vaguedad dramática asociada al cómic adulto, que también enterró a la Doom Patrol, antes de que un pardillo Byrne la recuperara. Y de eso abunda en nuestra historia. La protagonista busca refugio y comprensión en la gran ciudad, y solamente encontrará hostilidad e indiferencia, excepto en algunos aliados que acabarán malparados. La solución es recurrir a poderes universales, propios de la Naturaleza, que encarrilarán sus acciones por el camino difícil.

Foreman encauzó de manera errática el devenir de su trama, y se encontró a mitad de travesía con un equipaje mal encajado. El final se empieza a gestar desde el primer número, por lo que sorprende que un guionista tan previsor, aunque pesimista, se deje sorprender por las circunstancias.

Rebecca Guay fue la dibujante seleccionada para la colección, siguiendo esa teoría, alimentada durante años, según la cual el dibujo era secundario en un cómic adulto (espera un momento, lo estoy diciendo por Greek Street, Scalped, o Loveless?). A pesar de todo, sabía manejarse con cierto entusiasmo, y compensaba su irregularidad con viejos secretos de la profesión (viejos y resabidos).

Por lo menos, el producto ha terminado recalando en nuestras librerías, gracias a la reciente iniciativa de Planeta, cumpliendo así un compromiso que tenía el mundo del cómic con los aficionados españoles. Todo ello, sin embargo, nos demuestra que, tal vez, los editores de antaño eran más inteligentes, o al menos sabían lo que nos conviene. Ahora, no obstante, saben vender el cobre a precio de oropel.


Valoración: 4/10

Caravanas

GUION: Mark Kneece
DIBUJOS: Julie Collins-Rousseau
EDITORIAL: Norma
PVP: 12,00 €


Tomo 168 pgs b/n, tamaño 17x26 cm. Col. Comic Noir #14. Corresponde al cómic "Trailers" publicado en EEUU por NBM Publishing en 2005.

El cómic de género negro, ahora tan en boga entre los lectores de nuestro país, tiene múltiples facetas y perspectivas. No es lo mismo el policiaco, que el ambientado en el hampa, o el protagonizado por un detective. De vez en cuando, los maestros de la narrativa nos sorprenden con una historia conducida por los perdedores: me refiero a esos personajes que nacen bajo una mala estrella, empeñados en cambiar su fortuna a base de meter la pata, y cavar un poco más su propia tumba.

Es el caso de esta historia, protagonizada por el joven Josh. Vive en una destartalada caravana a las afueras del pueblo, junto a su madre alcohólica, y sus hermanos producto de diferentes relaciones. Pero el chaval demuestra aguante, y una inteligencia por encima de la media habitual en los márgenes.

Un mal día, su madre se carga a un tipo en la caravana, y obliga al pobre Josh a deshacerse del cadáver. A pesar de sus esfuerzos, no obstante, parece que el cuerpo no quiere permanecer bajo tierra, y eso terminará por sacarle de sus casillas. Para acabarlo de jorobar, su tarado mejor amigo y otros personajes peligrosos del ambiente, contribuirán a hacerle la vida más complicada si cabe. Podrá el naciente amor de una nueva amiga bastar para centrar al pobre Josh?

Mark Kneece se divierte con su creación, apurando al límite la paciencia de su protagonista, arrastrando por el lodo lo que queda de su humanidad. Y lo hace sin pudor ni caridad cristiana, rompiendo su alma y desmenuzando los pedazos. La burla provoca una hilaridad que contrasta de modo brutal con la miseria de su vida, lo que provoca en el lector una disparidad de emociones muy interesante.

Collins-Rousseau es una ilustradora ya harto premiada, pero de la que no he tenido el placer. Su labor en esta obra es más que correcta, habida cuenta lo que he padecido en trabajos similares por estas tierras. Incidir en el permanente tono humorístico y cómico que imprime en los personajes, a pesar de los muchos avatares que pudieran padecer.

Dejando de lado la inercia de ciertas actitudes un tanto forzadas, debo reconocer que este cómic se deja leer, y bastante bien. Amalgama de sinsabores que incluyen el noir, un cadáver reticente, y muy mala leche por parte de los artistas. Qué te decía de los perdedores?


Valoración: 5,5/10

Blacksad #1. Un lugar entre las sombras

GUION: Juan Díaz Canales
DIBUJOS: Juanjo Guarnido
EDITORIAL: Norma
PVP: 12,00 €


Álbum 48 pgs color, tapa dura, tamaño 23,5x31 cm.b Y ya van por la 8ª edición.

Hasta mis sensibles oídos han llegado exasperantes críticas sobre la obra Blacksad, vertidas desde foros poco recomendables. Naturalmente, la gente tiene libertad para decir lo que quiera; también tiene libertad para recoger sus dientes del suelo con los dedos rotos. Y es que parece que les guste el sabor de su propia sangre, y no aprenden jamás.

Por mi parte, he decidido dedicar alguna de mis siete vidas en poner las cosas en su sitio, aclarar malentendidos y evitar comentarios fuera de lugar. No acostumbro a otorgar segundas oportunidades, por lo que recomiendo aprendan la lección de buenas a primeras. Luego podrán acusarme de tener la sangre caliente, pero nunca de ingrato.

Para empezar, cabe dejar en su sitio a Díaz Canales, quien tan bien ha sabido interpretar mis relatos, y plasmarlos en viñetas. Ahora cualquier pelagatos se sirve de personajes antropomórficos para ahorrarse descripciones, más sensatas en narrativa, pero farragosas en cómic. En su momento, el guionista supo relacionar la chusma que comparte las calles con bestias y criaturas, otorgando aptitudes físicas y psicológicas de la manera más natural.

Si bien es cierto que la historia carece del elemento fantástico que buscan los jóvenes en el dominical, se advierte la fuerza de la narración, el factor policiaco, de tintes oscuros, y siempre grises, que abundan en la ciudad. Estamos de acuerdo en que la trama sigue a pies puntillas las directrices del género, hasta el punto de encasquillarse en una banalidad lógica, atrapada por las circunstancias y limitaciones del formato. Tendré unas palabras con el editor.

Pero no nos engañemos, pues la magia la aporta el espléndido Guarnido. Su interpretación de las formas, el volumen, y el contorno, me insta a mover el bigote henchido de satisfacción. Los personajes resultan algo más que criaturas feroces, pues la mirada y los gestos forman también parte del abanico de herramientas de este dibujante. El negro es el color dominante en este volumen, y además me favorece.

Os encontrais ante un ejemplar felino que sobrecoge a los villanos, y engatusa a las féminas. Estoy convencido que regresaré para atestar mis progresos, y lo haré con la beretta y sin el seguro, por si algún metomentodo decide tener vela en este entierro. Miau.


Valoración: 7,5/10

Punisher MAX #9. La Larga y Fría Oscuridad

GUION: Garth Ennis
DIBUJOS: Howard Chaykin, Goran Parlov
EDITORIAL: Panini
PVP: 11,50 €


Tomo tapa blanda con solapas, 136 paginas, color, tamaño 17x26 cm. Contiene MAX: Punisher 50-54 USA.

Desde que el señor Garth Ennis se hizo cargo en exclusiva del Castigador, un exsoldado trastornado tras volver de Vietnam y perder a su familia en un tiroteo de bandas, me convertí en un fiel seguidor del personaje. Cuando decidió dar el salto a una temática más adulta, acaparando el sello MAX, se ganó un buen pedazo de mi biblioteca, dando por sentado un punto de vista del personaje que perdurará por siempre.

Una de las características que define esta colección es la diversificación de tramas. Salta de una parcela a otra, con la naturalidad propia de un personaje que bien se mueve en ambas aguas. Puede resolver asuntos mundanos en callejones de su ciudad, o bien puede enfrentar crisis internacionales, con el pertrecho y los conocimientos del estamento militar.

Curiosamente, este volumen esquiva ambas posibilidades, centrando su atención en un personaje muy particular, auténtica razón de ser del mismo. Vuelve Barracuda, uno de los némesis de nuestro psicópata héroe, y atrapa la viñeta como cualquier estrella.

Barracuda viene a ser un negrata enorme, con músculos de acero y una mala leche descomunal. Carente de sentimientos ni piedad, se sirve de una paradójica filosofía cuya manifiesta obsesión es el cumplimiento de cada uno de sus deseos, sirviéndose del personal como bien convenga. Y pasarlo bien en el recorrido.

Criatura heredera de los rasgos del Ruso, una bestia parda que ya le puso las cosas difíciles al Castle de Ennis en Marvel Knights. Ocurre que entonces el obsceno personaje tenía cabida como producto excesivo, casi barroco. Trasladarlo al universo MAX incurre en el riesgo de no encajar como caracter pausible, y marcar una disonancia excesiva.

Así ocurre, antes y ahora, desentonando con más series tramas que han dignificado, y mucho, la colección. La participación de esta obscenidad tiene difícil cabida en la historia, pero se hace lo que se puede. Como anuncia un personaje, es un chiste a pesar de todo.

La sorpresa la pone Chaykin ilustrando uno de los episodios, destacándose por su propio manejo de la página, la caracterización de personajes tan apta como personal, difícil de digerir en un mercado que no siempre le respalda. No es su mejor trabajo, pero el proyecto no requería de más.

No sucede lo mismo con Goran Parlov, quien ya se ha hecho un lugar imprescindible en el equipo creativo de lujo de la colección. Ignoro si su trayectoria profesional le permitirá lucirse en otros proyectos, pero creo que con Punisher da el tono correcto.

Poco le queda a esta experiencia mixta entre el artista irlandés y el justiciero asesino, y parece ser que ya hemos dejado atrás la mejor parte. A pesar de todo, sigo recomendando, yo también, estos excelentes ejemplos de cómic salvaje, amén de educativos si te gustan las armas. Atención, además, al hecho de que nos muestran las portadas que nos esquilmaron el anterior volumen. Si rectifican, se agradece.


Valoración: 6,5/10

Leones, Tigres, y Osos

GUION: Mike Bullock
DIBUJOS: Jack Lawrence
EDITORIAL: Norma
PVP: 10,00 €


Tomo 96 pgs color, tamaño 17x26cm. Recopila la miniserie de 4 números publicada en 2005 por Image Comics.

Leones, tigres y osos. Seré franco: cuando supe de la existencia de un cómic con este título, me vino a la cabeza la saga de Hyperion de Dan Simmons. Concretamente, la protagonista femenina de la etapa Endymion, crucial para el devenir de la serie, hace referencia constante a estos animales, comparación metafórica de unos entes que, al margen de lo que sucede, vigilan y controlan (puede que haya hablado de más).

Un vistazo previo a la contraportada del ejemplar, comparaba la trama infantil del cómic con otros clásicos de similar factura, como son Narnia o El Mago de Oz (nueva referencia a Hyperion). Con estos precedentes en mi memoria, no podía ignorar el destino por un minuto más.

Ocurre que, contrariamente a lo expectado, hallé un cuento infantil ilustrado. Y no infantil a la manera de Esopo o Grimm, que hubiera asimilado. Se trata de un infantilismo vacuo nacido de las mentes simples de narradores norteamericanos contemporáneos. No está muerto; solamente duerme, en una acción ya común en dibujos animados emitidos para pánfilas y pasivas mentes, que por el hecho de ser menores de catorce años, ya son catalogadas en la categoría de pardillo. Algo que en Marvel, lo digo de pasada, saben estupendamente.

Un crío tiene miedo de la oscuridad, y su abuela le facilita unos animales de peluche, que cobrarán vida propia y la arriesgarán para proteger al chaval. Más allá de Toy Story, muy cerca de otra sensacional experiencia en cómic con soldados de plomo y osos de peluche, Mike Bullock presenta una obra banal, con más cabida en un cuento ilustrado para bebés, o como guión torpe para una peli Disney, que como proyecto para un cómic.

Jack Lawrence le sigue el juego, claro, ilustrando a todo color, para regocijo de nuestros hermanos pequeños (a estas alturas, para mis nietos). Ojos grandes, amplias sonrisas, buenos nobles y malos muy malos, porque son feos (…)

No es un cómic para adultos, pero tampoco creo que sea apropiado para niños que sumen más de cinco primaveras. Eso, sumado a que deben conocer el valor de la lectura, limita el abanico de consumidor “target” de la obra. Una auténtica pérdida de tiempo.


Valoración: 2/10

El circo del desaliento

GUION Y DIBUJOS: David Rubín
EDITORIAL: Astiberri
PVP: 16,00 €


Tomo 176 pgs b/n, con solapas, tamaño 17x24.

David Rubín ya ha demostrado con creces, los últimos años, la envergadura de su talento. De paso, le ha dado por concluir que no es necesario dibujar de manera realista para crear realismo en sus historias. Eso es algo que acompaña su trazo como la personalidad que queda enganchada a la mano, y deposita un reguero de sí misma en la página que dibuja.

Ya cuando se publicó este álbum, El circo del desaliento, las expectativas de futuro eran halagüeñas, y han demostrado ir por el buen camino. Sus más recientes trabajos forman parte de las más prestigiosas creaciones nacionales, pero antaño configuró una obra que ya adivinaba mucho de su carácter.

Y es que el autor, cuando lo pretende, se desangra sobre la hoja, y transmite todo melancólico sentimiento que atesora como buena musa en un cuarto oscuro y húmedo. Pesar, desgracia; desilusión. De eso abunda, y sus personajes, reflejo de lo cotidiano, parecen manufacturarlos con fruición.

Deja cabida, eso sí, a la esperanza, la posibilidad de redención, presentada como un amanecer especialmente brillante, o la melodía de un instrumento que hace tiempo dejó de sonar. La lágrima nace entonces por culpa de esa ilusión, lavando el enorme vacío que el autor se empeña en plantar.

Lamentablemente para el lector, cuando la trama no se prolonga, y se limita a breves chispazos de sentimiento inconexos, se pierde el factor narrativo de la obra. Y eso sucede de contínuo en este volumen, recopilatorio de breves, muchos inéditos y otros olvidados.

No quiero pasar por alto el estilo gráfico con el que el artista se ha hecho espacio en el mercado, convirtiéndose en una seña de identidad, y espero no abandone cuando enfrente la, todavía por llegar, obra de su vida.


Valoración: 5/10

La Danza del Tiempo

GUION Y DIBUJOS: Igor Baranko
EDITORIAL: Planeta
PVP: 9,95 €/cu, con lo que con menos de 30 eurillos la tienes


Álbumes de 48 pgs color, tapa dura, tamaño 22x29,5 cm.

La colección la componen tres volúmenes, que llevan por título El beso de la serpiente, El Arma de los Demonios, y Las tres reinas sin rostro. No son independientes en absoluto, y recomiendo su lectura ordenada, so pena de perderse en un galimatías argumental que no conviene a la historia. Advertidos quedáis.

Me he acostumbrado a disfrutar historias con un componente místico y mágico, alterando tan solo un pequeño factor histórico en la ecuación. Por otros lares se conoce como “Other Worlds”; aquí nos conformamos con “realidad alternativa”. La ficción está saturada de ejemplos, pero me detendré en la saga de Alvin Maker de Orson Scott Card, por el hecho que narra la colonización norteamericana bajo un prisma determinado por la existencia de la magia. Esto se le parece.

Se parece, pero remotamente. En la región de Norteamérica, nunca plantó pie el hombre blanco. Mejor dicho, sí lo hizo, pero Toro Sentado alteró el tiempo para corregir ese error concreto. El resultado, es un continente dominado por la población nativa, multitud de tribus indígenas, respetuosas con la naturaleza, sus ancestros, y sus costumbres. Para muestra,al final una página robada de internet, que representa estupendamente la ficticia situación.

Así estamos cuando un noble guerrero secuestra a la hija del rey de otra tribu, quien pierde su vida incidentalmente. Para corregir su error, no cejará hasta revertir la acción retrocediendo en el tiempo, y lo hará por dos veces, lo que traerá consecuencias.

Pero la cosa no acaba aquí, pues decide ignorar la invasión de Tenochtitlán para recabar información sobre esos extraños hombres blancos que amenazan el equilibrio de su tierra, en el segundo volumen de la colección.

Finalmente, seguiremos sus pasos a través del último viaje que emprende en el continente, antes de embarcarse en un viaje incierto hacia tierras desconocidas, una hazaña sólo al alcance de las leyendas.

Sorprendente puesta en escena para una singular y original historia, que aplaudo desde mi butaca de leer. Igor Baranko transmite todas las cualidades y defectos del pueblo indígena norteamericano, amparado además en un talento artístico delicado y detallista.


Valoración: 7,5/10

Planeta Extra

GUION: Diego Agrimbau
DIBUJOS: Gabriel Ippoliti
EDITORIAL: Planeta
PVP: 13,95 €


Álbum tapa dura. 80 pgs color. 20,5 x 28,5 cm.

Esta obra ha resultado ganadora del Primer Concurso de Cómics Planeta DeAgostini, así que poca broma con el asunto. Se da la circunstancia, además, que se trata de un buen cómic, hábilmente elaborado, lo que justifica la emisión del premio, y marca las futuras pautas de valoración por parte de la editorial, al menos en teoría.

El mundo se va a pique. Más o menos como siempre, pero esta vez es de verdad. Las cotas de pobreza, delincuencia y hambre superan lo soportable, en una situación que se ha estabilizado a la baja en todo el planeta. Junto a vehículos antigravitatorios y una tecnología puntera generalizada, abundan ejemplos de miseria y abandono. Todo muy triste.

Sin embargo, no se pierde la esperanza. Transbordadores espaciales transportan a todo aquél que pueda permitírselo a Europa, la luna de Júpiter, donde se establece una colonia pionera, y supone el sueño de cambiar a una vida mejor, tras un viaje, eso sí, que se prolonga por dos años, nada menos.

Quique Tetamandi es un tipo grandote, bonachón, y tremendamente sencillo, que mantiene a su familia trabajando con un aéreo camión de mudanzas, bastante destartalado. Cuando su hija le manifiesta su intención de marcharse del planeta, el buen hombre hará todo lo que esté en su mano para que abandone la idea, aunque eso le comporte asumir no pocos riesgos.

Agrimbau perfila una fábula social en un trasfondo supuestamente futurista, que le permite configurar una serie de arquetipos fuera de contexto, sin que chirrien en la historia. Dejar atrás lastre, para afrontar un esperanzador futuro allende las estrellas, no es una idea nueva, pero mejora con el tratamiento sencillo y directo con el que perfila su narración. Un hábil sentido del humor y una moraleja bajo la superficie, contribuyen a cerrar el círculo dramático de manera asombrosa y agradecida.

Los dibujos de Ippoliti subrayan los acentos sociales con que se prodiga la obra, estilizando relieves en un esforzado, que no forzoso, interés en el rostro y la expresividad de unos personajes muy caricaturizados, pero no por ello menos reflejados en nuestra realidad. Imagino que las semejanzas con Miguelanxo Prado son algo más que casuales.

Acertado el tratamiento de la obra, que espero sea ampliamente reconocida gracias a la oportunidad que un galardón novel puede aportar. A mí, desde luego, ya me ha convencido con creces, y solamente espero leer más material publicado de sus autores (Ultimo Sur ya está en la lista, por cierto).


Valoración: 7/10

Muertos de sueño

GUION Y DIBUJOS: Davide Reviati
EDITORIAL: Norma
PVP: 25,00 €


Tomo tapa dura, 17 x 24 cm., 352 pag., B/N.

Evocar nuestra juventud siempre ha sido una fuente de inspiración, que nos permite contar nuestras experiencias del modo en que la recordamos, nunca tal cual la vivimos en su momento. Si a ello incorporamos la calidad poética de Reviati, nos encontramos con un bello ensueño de nuestra niñez, una experiencia que podemos aplicarnos a cada uno de nosotros.

La acción se desarrolla en las afueras de una localidad italiana, donde una poderosa empresa química nacional ha erigido sus instalaciones, junto a residencias para los propios trabajadores. Los chavales que allí conviven, vecinos la mayoría, ven transcurrir el verano de sus vidas día tras día, y exprimen al máximo el tiempo de que disponen, que ya intuimos no será demasiado.

Mucha poesía, en efecto, pero escasa narrativa. El autor olvida, posiblemente de manera voluntaria, cualquier línea argumental que pudiera intuir en sus primeras páginas. Una colección de chavales disfrutando de la complicidad y camaradería entre jóvenes, que se diluirá por efecto del tiempo, y el paso de las estaciones.

La editorial Norma me tiene acostumbrado a excelentes trabajos dentro de su colección Nómadas, donde se agrupan trabajos con cierta cadencia étnica. Al menos, eso pretendía en un principio, pues ahora es un conglomerado de propuestas válidas, pero no siempre satisfactorias, como es el caso que tenemos entre manos. Algo se salva, pero solamente porque soy un sentimental.

Son las más desesperadas, las nocturnas. Cuando la oscuridad llega despacio y esconde el balón y la portería. Esconde nuestros rostros y nuestras razones.


Valoración: 3,5/10

Hitler

GUION Y DIBUJOS: Shigeru Mizuki
EDITORIAL: Glenat
PVP: 12,00 €


Tomo tapa blanda con sobrecubierta. 284 pgs b/n. 15 x 21 cm. Sentido de lectura japonés. Onomatopeyas sin traducir.

Shigeru Mizuki se introdujo en el mundo del cómic japonés siendo ya un hombre formado, con el inconveniente de haber perdido su mano buena durante el transcurso de la guerra. Sin duda, esta eventualidad afectó su manera de entender el mundo, y más aun, las necedades cometidas por los hombres en el nombre de la patria, la nación, y la divinidad de un líder.

Por todo ello, una perspectiva nipona, proveniente de una personalidad admirada y respetada en su propio país de origen, sobre la Segunda Guerra Mundial, es digna de ser tenida en cuenta de manera conveniente. Ya intenté una aproximación previa en la novela gráfica Operación Muerte, donde se narraban las vicisitudes de un mermado y desmoralizado ejército japonés en una perdida isla del Pacífico. Ahora llega el plato fuerte de su obra vital: Hitler.

Como su nombre indica, será el fracasado pintor artístico, reconvertido a fabuloso político, y posteriormente promovido a dictador de masas, el protagonista íntegro de esta trama. Desde sus vacilantes primeros pasos en carrera guvernativa, conoceremos sus debilidades y triunfos a lo largo de una vida condicionada por las circunstancias de su país, de Europa, y del mundo occidental.

El hombre, y la imagen que proyectaba. Nos descubriremos a nosotros mismos padeciendo sus traumas, y alegrándonos con sus victorias, empatizando con un personaje excepcional, insignificante en un marco histórico distinto, pero determinante como producto del entorno en el que se crió.

La labor gráfica será especialmente cuidadosa, aportando detalles esenciales para determinar uno o dos rasgos significativos de cada personaje, caricaturas en suma. El conjunto se convierte en un relato sensible y respetuoso, de gran fiabilidad histórica, que evita no obstante mostrar el lado más monstruoso del personaje, arrinconando a una sola viñeta el terrible holocausto que convierte a Hitler en el icono que heredamos en Occidente.


Valoración: 7/10

Antitipo

GUION Y DIBUJOS: Ralf König
EDITORIAL: La Cúpula
PVP: 20,00 €


Tomo tapa dura. 168 pgs color. 18 x 25 cm.

Después de Prototipo y Arquetipo, me veía obligado a comprobar cómo terminaba König esa trilogía sobre su particular visión de la religión, concretamente la que más escarnio ha infundido sobre su entorno: el catolicismo. En un primer volumen, nos presentaba el origen de la humanidad, y la toma de conciencia de su propia razón de ser, lo que provocó su explusión del Edén. En el segundo tomo, Noé y su nave fueron los protagonistas exlusivos, aferrando su continuidad existencialista a pesar de la ira contenida de el Creador.

En este ejemplar que concluye el proyecto, no es si no Pablo el conductor de la trama. El hombre no estuvo presente en la Última Cena, pero se agenció rápidamente la mitra y el báculo, y se erigió máximo representante de una iglesia que, cual mico en plena extinción de los grandes saurios, encontró el momento propicio, y la oportunidad adecuada, para encontrar su lugar en el mundo.

La definición que mejor le encaja a este personaje es diminuto, y bastante irritante. Al menos ese es el punto de vista que transmite el autor, encandalizando al prójimo y a todos los lectores imposibles que jamás admitirán haber oido su nombre. Como bien definió el artista, cualquiera que lea su trabajo, y no sea homosexual, no es más que un voyeur. Eso, o alguien con mucho amor al Papa y lo que representa, pero que quiere estar bien documentado antes de firmar como obispo o cardenal alguna que otra bula.

A pesar de la buena disposición, algo ha sucedido en este último tomo, que no resulta ni de lejos tan afilado ni ocurrente como los anteriores. Ignoro si ha mermado la calidad de la traducción, o el discurso resulta demasiado dogmático, pero aparte de algún episodio con Moisés de protagonista, y el cierre de la historia, el cómic deja mucho que desear.

Y en cuanto al sexo anal! Sirve para el control de la natalidad, y los hombres tienen un gran placer entre ellos porque la próstata no está allí de casualidad...


Valoración: 4/10

LA BIBLIOTECA DE LUCIEN. LA COSA DEL PANTANO #1,2

GUION: Mark Millar, Grant Morrison
DIBUJOS: Phillip Hester
EDITORIAL: Planeta
PVP: 35,00 y 30,00 € respectivamente


Tomo tapa blanda. 458 pgs color. 15 x 23 cm. Swamp Thing #140-157 USA; tomo tapa blanda. 440 pgs color. 15 x 23 cm. Contiene: Swamp Thing #158-171 USA.

Cuando el dios Alan Moore se hizo cargo de Swampy, nadie daba un duro por el personaje. Ni siquiera yo, a pesar de las insistentes recomendaciones de mis amigos, apostaba por el título, pues imaginaba una planta derrotando villanos con la técnica de provocar aburrimiento mediante fotosíntesis. Tras una lección de anatomía, el parecer de los lectores fue muy distinto.

Tras su paso por la colección, tomó el relevo al cargo uno de sus colaboradores artísticos, pero la incomprensión editorial y la estrecha mentalidad norteamericana dieron al traste con el proyecto. El gigante verde de los guisantes disfrutó todavía de algunos buenos momentos, pero no fue hasta mediados los ’90 que dos talentos se hicieron cargo.

Grant Morrison, pero sobretodo Mark Millar, emprendieron el trayecto de manera conjunta, para devolver a la criatura elemental el lugar que le correspondía. Obra de tal envergadura abarcó un amplio periodo, que se extendió casi por tres años, y que finalmente podemos disfrutar aquí, en papel y en castellano.

Costó arrancar, algo que achaco por entero a Morrison, que lastró el principio de modo alarmante. Un fiero monstruo debe ser detenido, antes que provoque el caos con su actitud violenta. Pronto endereza la trama, introduciendo a la Cosa del Pantano en un libro inacabado, protagonizando historias con alternativas increíbles. Todo parece inconexo, pero finalmente se desvela la autoridad tras estas acciones, y como siempre ocurre con el ser elemental, acabará implicado en eventos que implican la supervivencia del planeta mismo.

Muchos son los ilustradores que trabajan en tan extenso trabajo, pero es en Phil Hester en quien recae el peso de la obra. Su estilo nos retrotrae a ese periodo propicio del noveno arte, los ’80, algo más impactante teniendo en cuenta el tiempo transcurrido desde entonces. Ahora sabemos que el talento puede impregnar el estilo con que se transmite un personaje, pero en un momento que se exigía relacionar ambas etapas, fue el señor Hester quien supo salir del paso.

Muchos números recopilados, mucho tiempo transcurrido. A la fuerza, ello es sinónimo de altibajos en la calidad del producto final. Sin embargo, debo reconocer que la colección tiene sus momentos estelares, capaces de provocar aprensión o incredulidad. Ayuda la participación de secundarios habituales en el entorno del personaje, tales como Constantine, Strange, Sargon, Woodrue o Arcane.

La recuperación de material inédito, y a mi parecer imprescindible, del sello Vertigo de la DC, es uno de los logros más significativos de Planeta en esta etapa que ya termina. Si bien es cierto que Black Orquid y Kid Eternity supusieron una decepción, y que efectivamente no justificaban su publicación hace años, era cuestión de ley permitir al lector de nuestro país poder disfrutar y valorar debidamente de estos trabajos. La Cosa del Pantano ha resultado ser la más aceptable, a pesar del elevado precio de publicación a tamaño reducido, lo que evidencia el reducido grupo de lectores a los que va dirigido.


Valoración: 7/10