Homunculus

GUION Y DIBUJOS: Hideo Yamamoto
EDITORIAL: Ponent Mon
PVP: 8,95 € o 10,00 €


Colección manga, editada por Edicions Ponent Mon, al menos hasta el tomo 9, momento en que se canceló la misma. Las malas ventas y las dificultades que atraviesan los mercados han forzado este cierre, a pesar de que solamente faltaban dos tomos para ser completada. Tampoco es una terrible pérdida, para qué nos vamos a engañar.

El protagonista es un joven antaño adinerado y triunfador. Ahora malvive en su coche, estacionado junto a unos parias, con quienes comparte destino. Un buen día, se deja convencer para formar parte de un experimento algo morboso: le practicarían una trepanación, para despertar poderes mentales de alguna clase.

Efectivamente, el intento es exitoso, y se manifiesta en la forma de un curioso don: el joven, ahora, es capaz de ver a las personas según sus homúnculos. Estos son, grosso modo, representaciones visuales de la psique de cada individuo. Si, pongamos por ejemplo, tienes cierto complejo de nariz grande, tu homúnculo se manifestará como un grotesco personaje de nariz imposible, que marcará el resto de tu persona.

Hideo Yamamoto se atreve con tan bizarro planteamiento, con el propósito de lucirse, tal vez, en una vorágine de representaciones irrealistas, ilusiones retrofantásticas, o masturbaciones artísticas de gran calibre. Todo vale, imagino, para garantizar un mínimo de atención por parte del lector potencial.

O mejor dicho, no todo. En su limitada baza de recursos incluye una especial atención al sexo, inevitable en un cómic tan psicológico, pero poco manejable para un artista con ciertas limitaciones, como es el caso. Parece destinado a narrar una violación con todos sus pelos y señales, y líquidos y humores, provocando primero estupefacción, luego cierta dosis de morbo, y finalmente hastío, algo que se plantea inevitable en este caso.

Sin embargo, debo admitir que la trama ha logrado captar mi atención lo suficiente como para querer más, atrapándome en ese malsano apetito vojeur que pide ser alimentado. Un ritmo más intenso, y una especificidad en la intención original, habrían ayudado a mantener el pulso de la serie; un autor más capaz, en definitiva. Eso, y unos personajes más redondos, que no copen el argumento de la historia con su misterioso pasado intencional.


Valoración: 5,5/10

El minúsculo mosquetero #1, 2

GUION Y DIBUJOS: Joann Sfar
EDITORIAL: Norma
PVP: 12,00 € c/u


Álbumes 48 pgs color, tapa dura, tamaño 22x29 cm. Título original: "Le minuscule Mousquetaire". Publicado originalmente en Francia por Dargaud.

Joann Sfar es uno de esos jóvenes autores europeos que han renovado el modo de entender la BD, y por ende, el mundo del cómic. Junto a Trondheim o Blain, con quienes ha compartido estudio, ha revolucionado el medio, codificando la secuencia que seguirán autores venideros, como ya está sucediendo.

Este título contiene numerosas similitudes con otro éxito previo, El gato del rabino, tanto en estructura como en metodología. Si entonces un felino doméstico recibía el don del habla para criticar el mundo de los humanos y su religión, ahora es otro modelo retorcido y subversivo el que sirve para cobrar perspectiva con la realidad, y poder ser comentada desde el exterior.

En las primeras páginas, un honrado mosquetero ve reducido su tamaño hasta dimensiones liliputienses, en clara referencia al mundo de Swift. Angustiado y aturdido, busca solución en una pequeña Francia que se abre ante él, más diáfana, sin las obsesiones del mundo adulto. Allí conocerá a mujeres de las que se beneficiará, las mismas que obtendrán beneficio de su presencia en tierra extraña. Buen punto de partida para cuestionar sus propias decisiones y objetivos, en La Academia de Bellas Artes.

El segundo volumen, La Filosofía en la bañera, ya profundiza directamente en los pilares de la más pura filosofía, desacreditándola punto por punto, hasta reducirla a la mínima expresión. Desde el sofismo más arraigado, hasta las teorías herméticas del siglo XX, todo tiene cabida en unas ilustraciones que evocan un cada vez más personal y evasivo entorno, muy propio del autor.

Nueva aportación del artista a este estilo tan propio, tan exigente, que requiere tanto de nuestra parte como del creador. Merece la pena el esfuerzo de la inmersión, pues proporciona el placer físico que prometen las ilustraciones.

Cómo te llamabas?
Nicolas Savinien Restif de la Gascuña. Pero me llaman “el tuerto zurdho”. Con “h” intercalada.


Valoración: 7,5/10

MAGASIN GÉNÉRAL #1-3

GUION Y DIBUJOS: Régis Loisel, Jean-Louis Tripp
EDITORIAL: Norma
PVP: 17,00 € c/u


Álbumes de 80 pgs color, tapa dura, tamaño 22 x 29’5 cm.

En principio, esta obra iba a constar de tres entregas, tres episodios que constituirían una trilogía, hermosa manera de finiquitar y entregar una historia. Pero claro, tanto talento albergan los autores, que no caben en tan pocas páginas. Así, han concluido que no pueden dejar en el aire tantas preguntas formuladas, tantas vidas sin respuestas. Por ello, el tema se alarga, al menos, con otra trilogía, otros tres títulos que añadir a los que ya hay.

El objeto de estos álbumes no deja mucha cabida al misterio. Narra la convivencia, las idas y venidas, de los habitantes de una aldea sita en el Canadá francófono, lo que es el Québec, allá en los primeros pasos del siglo XX. La vida no es siempre fácil, pero tiene sus momentos, y si les prestamos la debida atención, abandonaremos este cruel trámite con una sonrisa en los labios, aunque contenga su dosis de ironía.

Marie, el primer tomo, es el más claro ejemplo de tragicomedia río. El pequeño pueblo de Notre-Dame-des-Lacs nos desvela sus misterios, sus secretos, sus vergüenzas. Un buen modo de ponernos en antecedentes, al menos de modo generalizado. Comienza con un funeral , el del marido de Marie, quienes regentaban el almacén de suministros local. Ambos personajes son los responsables de enlazar los acontecimientos, a modo de protagonismo, o de narrador externo. Así, conocemos cómo se sucede el tiempo, cómo transcurren los días, las estaciones, los años, en tan idílico y vetusto paraje.

Serge, el segundo tomo, rompe con la monotonía habitual. La llegada accidental de un forastero, quien parece decidido a quedarse, remueve los cimientos de unas costumbres tan arraigadas, que cualquier cambio, cualquier parabién, no es bienvenido de buenas a primeras.

Los hombres, el álbum que cierra la primera trilogía, nos hace saber que el hombre es como un río. Hay en él una fuerza que le lleva hacia el mañana, una corriente que le hace levantarse pronto, para impulsar la vida y darle empujones cuando se niega a avanzar. Esa es la fuerza de la vida de los hombres. Pero esa corriente, si desgraciadamente es contenida, como ocurre en los deshielos primaverales, no deja ni un solo minuto de empujar. Lo que ocurrirá, amigos, es que el río se desbordará, lo arrastrará todo a su paso, y luego será difícil reparar los daños.

Tanto Loisel como Tripp se ven obligados a desplegar su mejor arte para disfrutar del excelente resultado. Una primera fase en la que Régis escenifica historias con arte rápido y generoso, y una segunda fase en la que Jean-Louis disfruta destilando ambientes sensibles y vibrantes con su trazo y su luz (unas láminas regaladas por la editorial nos permiten conocer sus métodos, y observar los resultados). El coloreado, no obstante, deja bastante que desear, si lo comparamos con la hermosura en blanco y negro, pero no podemos pedirle a François Lapierre idéntico nivel de excelencia.

Poco a poco, gracias a la desenvuelta caridad narrativa de los autores, nos iremos implicando en los avatares cotidianos de los residentes de tan modesto poblacho. Un tiempo y un lugar en el que abundaba la inocencia, y aunque la malicia no era desconocida, sí era ingrata. Brindemos por ellos.


Valoración: 8/10

DMZ #4. Fuego Amigo

GUION: Brian Wood
DIBUJOS: Riccardo Burchielli, Nathan Fox, Viktor Kalvachev, Kristian Donaldson
EDITORIAL: Planeta
PVP: 10,95 €


Tomo tapa blanda, 120 paginas, color // Contiene DMZ: Fiendly Fire USA

Una condenada guerra civil que divide el país más próspero y guerrero del mundo. Una teórica zona desmilitarizada, pactada por las circunstancias, en lo que ahora nos suena como la glamurosa ciudad de Nueva York. Y un periodista, joven y dicharachero, siempre dispuesto a desvelar al mundo la verdad de lo que sucede día a día en la DMZ.

En estos episodios, nos centramos en unos hechos que marcaron un antes y un después de esta guerra fraticida. Conocido como el Día 204, cuando un grupo de manifestantes, desarmados y pacíficos, fueron tiroteados por el ejército de los USA. Casi doscientos muertos, masacrados por sus teóricos salvadores. Quién podría confiar ahora en los soldados, en la misma idea de patria?

Nuestro afamado periodista se esforzará en conocer la verdad de los hechos, como si eso importara, antes de que se dicte sentencia contra los militares que apretaron el gatillo. Para ello, se entrevistará con los protagonistas de los hechos, los que todavía respiran, al menos. No nos ofrecerán las respuestas, pero permitirá que nosotros mismos nos planteemos algunas preguntas.

Brian Wood vuelve a meter el dedo en la llaga, aduciendo un imaginario conflicto bélico para destapar las vergüenzas de la guerra, la auténtica, en la que entrenados hombres y mujeres norteamericanos desfilan fusil en mano, segando almas antes que supongan una amenaza.

Lo que parece un buen planteamiento se difumina, inevitablemente, en su transcripción al medio, por los requerimientos gráficos que precisa. El baile de dibujantes no beneficia el resultado en absoluto, agrediendo la calidad final del producto, a niveles, a veces, casi intolerables. Concretamente, la labor de Kristian Donaldson es punible, así como el dibujo de Kalvachev. Unicamente acepto el estilo de Burchielli, muy cerca de esa escuela argentina cuyo patriarca es Risso, tan obscena como personal.

Muchos son los títulos Vertigo inclinados al género bélico, los últimos años: Army Love y The Other Side, además de este DMZ, son los más interesados en castigar la actitud del ejército USA en algunos puntos del planeta. Lejos de iniciar un debate antimilitarista, aplaudo el esfuerzo de sus autores por, al menos, dar a conocer su vetusta opinión.


Valoración: 5,5/10

Batman. ¿Qué le sucedió al cruzado enmascarado?

GUION: Neil Gaiman
DIBUJOS: Andy Kubert
EDITORIAL: Planeta
PVP: 9,95 €


Tomo tapa dura. 176 pgs color. 17,5 x 26,5 cm. Recopila: Batman: Whatever Happened to the Caped Crusader? USA

Desde que Moore y Gibbons echaron el resto, y nos dedicaron su particular homenaje al personaje y el icono de Superman, se olía en el ambiente que algún otro lumbreras aprovecharía la coyuntura, algún editor con olfato para estos asuntos, que tanto interés despierta en los aficionados. Ha tardado lo suyo, pero por fin tenemos aquí la versión del largo adiós de otro emblema, el del hombre murciélago.

Creo que Morrison ha tenido mucho que ver en el trasiego. Tanto su versión del pastel de manzana con Quitely, como su revisionismo actual de Batman, han dado el impulso necesario para que tal meditación fuera meritoria, incluso coherente en el panorama existencial en que nos movemos. Dicho de otro modo, pardiez, aquí hay un hueco, y encaja.

Tomando la obra imprescindible del barbudo Moore como plantilla, mirando siempre de reojo pero no descaradamente, le otorgan el encargo al bueno de Neil Gaiman, que dejó los cómics aparcados, aunque no del todo, para nuestra desgracia y la de su coherencia mental. Buena opción, claro que sí, porque cualquier otro autor no hubiera sido valorado en la medida de la ocasión, y consideraríamos este trabajo como otro escalón más en la carrera del enmascarado oscuro.

Revisa su vida y hechos con la ayuda de un entorno escogido, planteado alrededor de un velatorio, en el que se recuerdan las muchas alternativas del personaje, tantas como autores, y lectores, han intervenido. Mucho se ha discutido en este mismo foro sobre el buen hacer del cómic, o las opciones equivocadas aceptadas en el mismo. A favor y en contra, muchas son las opiniones vertidas; todas igualmente buenas, todas bien valorables. Ahora me toca el turno.

No siendo acérrimo aficionado a Batman, no pasa un mes que no sepa de sus aventuras, como atestiguan las abarrotadas baldas de mi estantería que le pertenecen en exclusiva. Así, compruebo la presencia de auténticas maravillas (y otras no tanto, de acuerdo) del noveno arte: Año Uno, Una Muerte en la Familia, Dark Knight Returns, entre otras. Pertenece este ejemplar a la élite editorial? Rotundamente, no.

En bueno de Neil hace ya tiempo que secó su fértil imaginación, y presionar ciertos interruptores creativos ya no tiene el mismo efecto que antaño. Cualquiera de las mini tramas que narra, podría ser fácilmente mejorada por cualquier guionista, sea o no de élite, que entienda el arte. Se le ve carcomido, con ese molesto griñolar de articulaciones ya oxidadas, escaso del talento que le asegura un porvenir en la memoria de los aficionados. El tiempo dará o quitará razón, pero yo lo recordaré como otra oportunidad perdida en el vasto campo del potencial artístico.

De Andy Kubert, por otro lado, no tengo ninguna queja. Es un trabajador con talento, y se toma su labor en serio. Ahora me parece ver a Bolland, a Mazzucchelli, o a Jim Lee. Y la mayoría de las veces, a sí mismo, ejerciendo su labor como corresponde a las pretensiones de esta evocación gráfica.

A pesar de sus pretensiones, no pasa de ser un trabajo del montón, encargado para constituir un pináculo artificial. No deja de ser correcto, no obstante, genial en algún compromiso puntual, incluso. Como he mencionado, el tiempo pondrá en su lugar esta obra, donde le corresponde en la leyenda de un icono que nos sobrevivirá a todos.

Lucho hasta que caigo, y un día caeré. Pero hasta entonces, lucho.


Valoración: 5/10

El Alcohólico

GUION: Jonathan Ames
DIBUJOS: Dean Haspiel
EDITORIAL: Planeta
PVP: 13,95 €


Tomo tapa dura. 144 pgs color. 18 x 25 cm. Recopila: "The Alcoholic" USA.

Siempre he tenido la certeza de que el sello Vertigo nació para algo más que permitir a un predicador soltar tacos a diestro y siniestro, o para advertir a adolescentes advenedizos que no encontrarían allí los habituales desequilibrados en mallas dando brincos por las azoteas. Entiendo ese recoveco de la DC como un lugar donde el autor puede explayarse a conciencia, sin la necesidad de tener un ojo puesto, de manera constante, en el libro de buenas maneras de la editorial.

Lo menciono porque, echando un vistazo a las novedades de dicha línea, advierto una mayoría de títulos inocuos, destinados a un universo apartado del habitual superheróico, pero aún lejos de los requerimientos y las exigencias de un autor avezado, que busca en los cómics otro medio para narrar sus propias historias.

Afortunadamente, se dan las excepciones, y El alcohólico es una de ellas, más fácil de ubicar en el mercado de cómic de autor, independiente, que en el marco de una de las grandes del mainstream.

Nunca he sido muy amigo de las autobiografías, que considero vagas insinuaciones de hechos auténticamente interesantes, que tal vez sí merecerían ser contados. Lo bueno de esta obra es precisamente que no se trata ciertamente de una autobiografía. Jonathan Ames, reconocido novelista norteamericano, extrae de su experiencia personal los elementos requeridos para llevar a buen puerto una serie de avatares que bien podríamos considerar propios. Eso es lo que hacen , precisamente, los autores: extraen del poso de sus vivencias todos aquellos mecanismos que pueden servir a la historia.

De ese modo, en el cómic se habla de consumo de drogas, alcoholismo, homosexualidad, rechazo amoroso, poca autoestima, rechazo amoroso... otra vez. Y se hace sin tapujos, mostrando la viñeta requerida en cada proceso, con cada uno de los pensamientos expresados por un protagonista demasiado real para caber en las dos dimensiones de una página.

Dean Haspiel es el auténtico instigador de la obra, prestando en primer lugar unos ejemplares de Y The Last Man al desaforado novelista. Eso fue suficiente para decidirse a formar tándem, e inundar las estanterías neoyorkinas con el producto resultante. No me convenció el resultado en El derrotista, pero poca culpa puede atribuírsele a un ilustrador empeñado a mostrar la realidad mediante un trazo casi humorístico, que fácilmente su objetivo de compenetrarse con el lector.

Aplauso incondicional al resultado, al que cabe añadir la labor editorial en España, con un precio más que ajustado, teniendo en cuenta las maniobras con que nos tiene acostumbrado una desconocida Planeta.


Valoración: 8/10

El Ejecutor

GUION: Jon Evans
DIBUJOS: Andrea Mutti
EDITORIAL: Panini
PVP: 19,95 €


Tomo tapa dura. 200 pgs b/n. 18 x 26,5 cm. Contiene The Executor TPB USA .

Sabedores de la fuerte influencia que posee el género negro en las viñetas de este nuevo milenio, los editores de Panini han apostado por una somera colección ínclita en el noir más contemporáneo. En un formato bastante lujoso, con unos autores poco conocidos, la broma puede desembocar en un fracaso comercial, pero estoy convencido que al menos habrán podido salvar los muebles.

Si bien he tonteado en el pasado con alguno de los títulos incluidos en esta colección, recientemente me he agenciado la mayoría de ellos, y me he propuesto leerlos y reseñarlos, puntualmente cada mes, para regocijo vuestro. Bien! He arrancado al azar con El Ejecutor, y casi me he arrepentido de mi promesa. Bien!

En los USA, cuando alguien traspasa, elige un encargado que cumpla su última voluntad, un albacea de sus bienes e intereses: el ejecutor, de ahí el título del libro. El protagonista es una vieja promesa del hockey, olvidado tras una fea lesión. Ahora debe regresar al pequeño pueblo de su infancia, donde deberá solucionar unos papeles tras la defunción de una vieja amiga.

Los elementos sugeridos en este álbum son los habituales del género, para no decepcionar al lector: un antiguo héroe ahora acabado, una reserva india en la región, con sus propias leyes y reglas, y sobretodo, un pasado turbio, estremecedor, que será finalmente la llave para la resolución de los muchos enigmas que envuelven el pueblo.

Jon Evans no es un guionista de tebeos muy popular, al menos en lo que a mí respecta. Pero al menos ha hecho un buen intento en esta ocasión. Ha sabido interpelar a la inteligencia que se le supone al lector, y ofrecer una trama coherente y sensible, dentro del género. El manido recurso de la pederastia para convertir a cualquiera en un monstruo, sin necesidad de inquirir en su personalidad o comportamiento, lo convierte en un escritor perezoso, pero no menos capaz.

Los dibujos de Andrea Mutti abusan de la trama, para disfrute del lector, que puede estar cansado de que identifiquen el género más corrupto con una grafía fea o distorsionada. Se agradece la claridad de las imágenes, aunque no aporta nada realmente significativo al cómic. Digno deudor de su escuela italiana.

Sin ser el más significativo título del noir que he leído últimamente, sí sirve como puerta de entrada para cualquier lector no avezado al mismo. Echo en falta elementos sobrenaturales, presentes en muchos ejemplos de la colección Vertigo Noir, pero de vez en cuando se agradece que planten los pies en la tierra.


Valoración: 5,5/10

Los Combates Cotidianos

GUION Y DIBUJOS: Manu Larcenet
EDITORIAL: Norma
PVP: 24,95 €


Álbum tapa dura, 23,5 x 31 cm., 264 pgs., color. Recopila los cuatro álbumes publicados.

El denostado género “slice of life” tiene, a día de hoy, el reconocimiento generalizado del sector más especializado en la novela gráfica. Por decirlo de otra manera, está bien visto en los ambientes culturales más snobs de nuestro entorno, algo que soy perfectamente capaz de entender. En una reunión formal, resulta más conveniente decir que eres lector de novelas gráficas sobre las vicisitudes de un señor y su relación socio familiar con su entorno, que lector de tebeos pijameros con onomatopeyas y señoritas bien dotadas mostrando sus talentos.

Tan aficionado a este género como el que más, he profundizado en numerosas obras, advirtiendo que, como en todo, abunda lo mediocre, que flota en la superficie con rápido acceso. También, no obstante, y como cabría esperar, pueden encontrarse perlas ocultas a primera vista, pero que brillan con luz propia, destacándose sobre otros ejemplos de menos injundia.

Manu Larcenet ya demostró, con Los Combates Cotidianos, su habilidad para presentarse desnudo ante el lector, proyectando una ficticia versión de sí mismo en la viñeta, y narrando episodios cotidianos de la vida de un artista. Se integraba así, sin pretensiones, como uno de los más destacados autores del género, obviando su habitual sentido del humor, irremediablemente presente, por supuesto, en cada uno de sus trazos.

Durante cuatro álbumes, estupendamente integrados en esta ocasión por Norma, nos familiarizábamos con Marco, un fotógrafo freelance sin ínfulas ni ambiciones, con los trastornos propios de un artista comprometido. Conocíamos su familia, sus relaciones sentimentales y amistosas, y asistíamos a esos conflictos interminables que lidian en su interior.

La recopilación refleja los altibajos propios de una obra cuya publicación original se prolongó durante algo más de cinco años, y no todos los temas aquí tratados son de mi agrado o interés, pero debo admitir que son muchos los momentos geniales que se prodigan en estas páginas, de obligada lectura para el aficionado natural a la BD.


Valoración: 7,5/10

Los Entusiastas

GUION Y DIBUJOS: Brecht Evens
EDITORIAL: Sinsentido
PVP: 25,00 €


Tomo tapa blanda con solapas, 20x24 cm., 216 pag., color.

Nuestro protagonista es un artista de ciudad, un señor maduro bastante ninguneado por el medio y sus colegas, con deficiencias sociales arraigadas. La vida transcurre a su alrededor, completamente ajena a él, y advierte como las pocas posibilidades de éxito que le restan se diluyen frente a la mediocridad de otros elementos afines.

Es entonces cuando acude como invitado a una celebración artística bienal, en un lugar apartado y rural, lejos de la metrópolis, el centro de la creatividad global. Allí, junto a un pequeño grupo de paletos, muy entusiasmados con su labor creativa y artística, iniciará el proyecto de su vida, que lo situará en el lugar que le corresponde del mapa.

Todos los personajes, si bien son pocos, que adquieren cierta relevancia en la historia, están presentados con respeto, cariño, y numerosos matices, que se irán complementando a medida que avance nuestra lectura. Este aspecto puede parecer banal, pero en mi opinión constituye el andamio de la novela gráfica, y aquí alcanza la excelencia: desde el obseso de las espirales, hasta el payaso volátil, el generoso anfitrión, o la jovencita fotógrafa, por no hablar de mi favorito, el anodino Valentyn.

El otro elemento identificativo del autor, Brecht Evens, es obviamente su estilo artístico, empleando una infinita paleta de vivos colores al agua. Qué fácil resulta mostrar y esconder sentimientos con cualquier elemento visual, de manera escueta o generosa, cuando sobra talento!

Las relaciones interpersonales, así como el sujeto que se esconde en el interior de nuestras cabezas, son las protagonistas de esta patética tragicomedia, que durante unos días permitirá a unos tristes elementos de la sociedad integrarse con otros pares, y lograr algo significativo en sus vidas.


Valoración: 9/10

El Retorno de las Ti-Girls

GUION Y DIBUJOS: Jaime Hernández
EDITORIAL: La Cúpula
PVP: 18,00 €


Tomo tapa dura, 17x24 cm.,136 pag., B/N.

El universo Love & Rockets es ya demasiado amplio, a estas alturas, como para intentar abarcarlo con un simple golpe de vista. Referente cultural independiente, conforma un panorama rico en detalles y personajes, listo para cualquiera con tiempo, deseos, y afición por el género que quiera probarlo.

Lo he intentado en diversas ocasiones, pero debo reconocer que con escaso éxito, alejadas mis inquietudes e intereses de todo aquello que compone y estructura dicho mundo. Inciso en La educación de Hopey Glass, ganadora del premio internacional del Saló del Còmic de Barcelona, que fui incapaz de comprender y valorar. Eso, por no mencionar títulos más longevos como Locas, igualmente despreciados por mí.

No obstante, he hallado en este volumen referencias a otro género, también muy estimado por el autor, Jaime Hernández. Me refiero a los superhéroes, con sus capas y sus uniformes, orientado y encaminado por féminas. Señoras de todas las edades, que poseen el don del mismo modo que dos cromosomas X, al contrario que los varones, los cuales deben padecer accidentes o mutaciones.

En una hábil mezcla de culebrón y panfleto pulp de superhéroes, nos trasladamos a una época más luminosa, sin contrastes, donde las mujeres imparten justicia y cometen villanías, mientras los hombres deben conformarse con grises papeles secundarios. Homenaje sincero y agradecido a la década dorada de los pijamas, los años dorados y sinceros del tebeo de superhéroes.

Carece de valor mi interpretación de los sucesos narrados en el volumen, pues me he limitado a disfrutar con los caracteres representados, y el choque de voluntades. Entiendo un lector avezado en el universo de los hermanos Hernández, podrá obtener más suculentos frutos, pero de momento me conformo con lo servido.


Valoración: 7/10

El Rayo Mortal

GUION Y DIBUJOS: Daniel Clowes
EDITORIAL: Random House Mondadori
PVP: 17,90 €


Álbum tapa dura, 24x31 cm., 48 pag., color.

Andy es un muchacho corriente y vulgar, que no destaca ni física ni mentalmente, el típico protagonista de una historia de Clowes. Un perdedor que extravía la mirada en el horizonte, sin oficio ni beneficio, que permite transcurrir el paso del tiempo y la vida a su alrededor, sin molestarse en meterle mano.

Gracias a unos experimentos de su ya fallecido progenitor, cuando todavía era un bebé, fue sometido a unas hormonas (ni puñetero caso), de manera que una vez adolescente, tras el estímulo de la nicotina que aportan sus primeros cigarrillos, adquiere una fuerza descomunal. Eso, y una pistola de rayos desintegradores herencia de familia, le convertirán en el superhéroe que todos hemos soñado ser.

Claro que no deja de ser un pajillero inútil, medio atontado gracias a las fechorías de la edad del pavo. Junto a su único amigo, otro que tal mea, caminará disfrazado por las calles de la ciudad, ávido de justa venganza contra todos aquellos que los han mirado mal, los han insultado, o los que más, se han apiadado de tan lamentables elementos.

Divertidos fragmentos extraviados en una dicotomía mental del autor, que si conoces de antemano, te resultará inevitablemente familiar. Puede parecer que poco ha madurado o evolucionado desde Wilson o Mister Wonderful, pero resulta que esta historia fue originalmente publicada en un ejemplar de Eightball allá en 2004. Eso me obliga a plantearme la necesidad de esta, por otra parte, estupenda editorial, para publicar un poducto que puedes encontrar por tres pavos en los USA a un precio desproporcionado, en un formato que seguramente no requiere, habida cuenta que es difícil sea presentado de otro modo en un futuro.


Valoración: 4,5/10

Punk Rock Jesus

GUION Y DIBUJOS: Sean Murphy
EDITORIAL: ECC
PVP: 16,95 €


Tomo tapa blanda, 17x26 cm., 224 pag., color. Recopila Punk Rock Jesus 1-6 USA (2012-13).

Antes de sentarme a leer este cómic, dudaba sinceramente de su propósito, inmiscuyendo a una autoridad como Jesucristo en el núcleo de la narración. Iba a encontrarme siguiendo los pasos de Ira Levin y El hijo de Rosemary? O tal vez otra referencia en viñeta, como El Elegido de Millar, de grato recuerdo? En realidad el cómic no tiene nada que ver con el mito, más allá de representación religiosa.

El proyecto nace como respuesta a una demanda de las masas, ávidas de compartir algo más grande que sus propias míseras vidas: nada menos que el Segundo Advenimiento, cuando el propio Jesucristo caminará entre nosotros, y seremos dignos de respirar el mismo oxígeno. Deciden clonar DNA de la sábana santa (como biólogo tengo mucho que decir al respecto, pero no deja de ser una obra de ficción), y permitir que una chica dulce y no mancillada otorgue vida al hijo del Creador.

El asunto debe ser rentable, y una gran empresa (evitan mencionar dónde mete mano, pero te puedes hacer una buena idea) financiará un reality show, que no perderá de vista un instante a su creación. De ese modo, la humanidad podrá compartir los momentos más íntimos con el vástago del Creador.

Todo lo que conlleva a la creación del experimento, resulta el aspecto más interesante del cómic. Pocos caracteres se verán implicados directamente en el asunto, pero el autor saca partido a la mayoría de ellos, elevando la expectación hacia el inevitable desenlace, del que el lector es partícipe.

Naturalmente es una bonita historia de redención, donde la religión y el modo en que se retuerce para satisfacer nuestras pretensiones es evidente protagonista. También hace acto de presencia el amor, aunque platónico, y cómo no, la rebeldía juvenil en la forma de música punk. Pero ante todo, narra la búsqueda de la identidad, unas preguntas que debemos formularnos nosotros mismos, y lo más importante, buscar respuestas en nuestro interior, ignorando ese molesto ruido de fondo.

Sean Murphy me ha sorprendido en su faceta de autor único, sabiendo marcar la pauta y el ritmo en buena parte de la obra, aunque pierde el oremus en el último tercio. Sus dibujos convencen si te gusta su estilo, ya bastante exprimido a estas alturas, y muy representado en estas páginas. Ese desparpajo típicamente británico se imprime en cada viñeta, recordando los mejores tiempos del cómic inglés, y hace uso y gala de algunas frases memorables, repartidas por toda la obra. En esencia, un muy buen ejemplo de buen cómic.

¿Te refieres a Jesucristo? Odio a ese cabrón.


Valoración: 8/10

Fabulosas #1. Completamente despierta

GUION: Bill Willingham
DIBUJOS: Phil Jiménez
EDITORIAL: ECC
PVP: 12,95 €


Tomo tapa blanda, 17x26 cm., 136 pag., color. Contiene Fairest 1-6 USA (2012).

Primera entrega de esta nueva colección, nacida a partir de una serie madre muy prolífica y exitosa. Me refiero obviamente a Fábulas, ya centenaria y abanderada de lo poco que queda del sello Vertigo. Después de algún experimento parejo, como dotar de protagonismo a Jack de Fábulas o a Cenicienta, toca esta peculiar y atractiva propuesta.

Y en qué consiste? Breves arcos argumentales independientes, escritos y dibujados, cada uno de ellos, por un equipo artístico distinto. Nada tendrán que ver entre ellos, a priori, y no necesariamente dependerán de la colección raíz; aunque eso no significa que tengan auténtica relación, como es el caso que nos ocupa.

Otra pretensión de la serie, de la que toma el título, es que sean historias protagonizadas por los personajes femeninos (y atractivos) de las fábulas. Pasarán por aquí Bella, Rapunzel, y entiendo toda la cohorte de féminas que ya han aparecido por sus páginas, y otras de nuevo cuño.

En cuanto al ejemplar que abre la tanda, cuenta con la Bella Durmiente y la Reina de las Nieves, cuando ambas han sucumbido al hechizo de la primera, y padecen un profundo sueño. Las despertará Alí Babá con un beso de amor verdadero, e iniciará así una serie de catastróficas consecuencias para todos los personajes implicados.

Willingham mantiene el pulso, pero alejado de dramas en estos primeros compases. El resultado es un cuento algo frívolo, evitando profundizar demasiado en ninguno de los personajes. Dará manga ancha a otros colaboradores suplentes? Mucho me temo que atará en corto, limitando los excesos de guionistas invitados, perjudicando necesariamente el producto.

El asunto con Phil Jiménez es harina de otro costal. Muy ajeno al dibujante con el que más congeniamos, sorprende su gran capacidad artística, y no es ninguna locura ficharlo para un título de estas características. Una gozada disfrutar de los detalles empíricos, sobretodo en paisajes y planos amplios.

Esta colección posee los elementos necesarios para requerir mi atención: chicas guapas, tramas dispersas, y equipos creativos alternos. Ello redundará en unas tramas superfluas ancladas a los deseos y requerimientos de la colección matriz, pero nada puede ajustarse a la perfección. Veremos por aquí a Manara en un futuro, bajo la batuta de un guionista decente? Sigue soñando.


Valoración: 5,5/10

Asilo Arkham Locura

GUION Y DIBUJOS: Sam Kieth
EDITORIAL: Planeta
PVP: 13,95 €


Edición original: Arkham Asylum: Madness USA. Fecha de edición: febrero de 2011. Formato: Libro cartoné, 104 págs. a color.

La labor de Sam Kieth siempre me ha resultado un tanto contradictoria, entiendo como a la mayoría de aficionados a la viñeta. Su muy particular estilo, que me atrevería a definir como realismo distorsionado, determinó colecciones de capital como The Sandman, u otros trabajos de menor envergadura, pero de mayor intensidad, como Epicurus. De cualquier manera, su trabajo como autor completo nunca satisface a todos por igual, dejando una sensación de ocasión desperdiciada tras la lectura de sus obras, sobretodo los últimos lustros.

Es exactamente esa impresión la que resta tras la lectura de Asilo Arkham Locura. Las referencias a la memoria del lector trascienden uno de esos ejemplares incólumes en su biblioteca particular, Arkham Asylum. Y la necesidad de comparar ambos trabajos afecta de manera inevitablemente negativa al ejemplar que ahora tenemos entre manos.

Un día laborable entre las paredes del centro psiquiátrico más popular de Gotham, eso mismo nos ofrece. La protagoniza una de las enfermeras titulares de la institución, una joven madre con los sueños y las esperanzas todavía intactas, antes de corromperse con el paso de los años y el acúmulo de decepciones que la vida otorga a espuertas. Así aprenderemos algo del día a día que se vive en el basto edificio, y sus ocupantes, ninguno voluntario.

Con las posibilidades que promete casi deberíamos esperar algo que roce una obra maestra, más con el talento innato del artista. Mas por desgracia, el autor es incapaz de indagar en la más profunda verdad que envuelve a todos los residentes, y por ende desvelar la naturaleza de sus acciones. Algo debo reconocerle, y es su capacidad para generar un ambiente asfixiante, que logra prolongar buena parte del relato, y sobrecoge al lector que decide sumergirse en la trama.

Puede que, en efecto, sufra las carencias de tan insigne y relevante artista. Y puede que no sepa exprimir las enormes posibilidades que ofrecen todos y cada uno de los internos de Arkham. Pero debo admitir el esfuerzo que, en ocasiones, bien dirigido y perpetrado, puede provocar cierto desasosiego en el receptor. Y sobretodo, para los fans acérrimos de Kieth, que me consta perduran en su adoración.


Valoración: 5,5/10

Fatale #1. La Muerte me persigue

GUION: Ed Brubaker
DIBUJOS: Sean Phillips
EDITORIAL: Panini
PVP: 15,00 €


Tomo tapa dura, 19x28 cm., 136 pag., color. Contiene Fatale 1-5 USA (2012).

La fusión de estilos siempre me ha resultado fascinante, en especial cuando combinan el género negro, con el terror en cualquiera de sus formas. Recomiendo Corazón de Angel, incluso Hechizo Letal, en la pantalla. Más promiscua esta situación en el noveno arte, apuntando al título Bajo la piel, con autores patrios.

Tanto Brubaker como Phillips han demostrado ya con creces su dominio en el género negro, trabajando codo con codo ya en Sleeper, y sobretodo dejando huella y creando escuela con su circunspecta Criminal. Si alguien podía fusionar los clichés del noir con los fundamentos de Lovecraft y bordar el resultado, son esta pareja.

La absoluta protagonista de este primer arco argumental, que completa las primeras cinco entregas de la colección, y probablemente de toda la serie, es una tal Josephine, una mujer de armas tomar, el patrón elemental de la recurrente “femme fatale”. Su historia conduce el destino de todos los personajes, marcando a fuego esa mirada en los corazones de los hombres, quienes inevitablemente sucumbirán a sus artes. Con un misterioso pasado, que terminaremos conociendo a cuentagotas, sus acciones repercuten también en un futuro que está por llegar, ligado también a su destino. No es mala, es que la han dibujado así.

No puedo ser objetivo con una obra de estas características, con lo que pasaré por alto todas las deficiencias y taras propias de ambos géneros tratados. Simplemente, admirar y llamar la atención sobre el talento que los autores han aprendido a desplegar en una página. Como muestra, dos viñetas seleccionadas de la propia Jo, con matices no ya en el rostro o en la mirada, apenas una brisa mueve sus cabellos y su intención pasa de ser suspicaz y cauta, a preocupada y triste. Ya me habían ganado solamente con esto.

Más mentiras, piensa Hank. Y ella es la mentira más preciosa de todas.


Valoración: 7/10

Los Proyectos Manhattan #1

GUION: Jonathan Hickman
DIBUJOS: Nick Pitarra
EDITORIAL: Planeta
PVP: 14,95 €


Tomo tapa blanda, 17x26 cm., 152 pag., color. Recopila The Manhattan Projects # 1-5 USA (2012).

Jonathan Hickman se está convirtiendo en uno de esos elementos discordantes, que si bien suenan estupendamente, cuesta imaginar dónde pueden ser ubicados. El tiempo acaba dando la razón a estos extravagantes creadores, demostrando que un buen artista creará una buena labor, sin importar la materia prima con la que trabaje, desde un grito, hasta una lata de tomate.

Si bien siempre se basa en las mismas pautas, sigue sorprendiendo porque visualiza distintos puntos de vista, evitando la reiteración o las cacofonías. Un guionista de tebeos con estas características solamente puede expresarse en una editorial con mucha manga ancha, sin pretextos ni justillos, y esa editorial existe, por fortuna para nosotros, y se llama Image.

No es tampoco ésta la única incursión de Image en el terreno de la ciencia pura, una circunvalación a la ya manida y algo desfasada ciencia ficción. Recomiendo asímismo Nowhere Men, porque la ciencia es el nuevo rock & roll. Pero vamos a centrarnos un momento en las páginas que tenemos hoy entre manos.

Una recurrente manera de sacudir los cimientos culturales del lector, es presentarle una situación de algún modo conocida y familiar. Justo cuando parece comprender el terreno que pisa, éste se disuelve, y deja al desconcertado aficionado algo desorientado. Si eres capaz de enfocar nuevamente el punto de vista, se te desvelarán no pocas maravillas.

Esa viene a ser la premisa de Los Proyectos Manhattan. Situada en plena Segunda Guerra Mundial, la élite científica escarba en los límites de nuestra realidad, buscando un arma que les permita vencer el conflicto, y lo que sea que se presente después. Así se nos presenta a los ya iconos Oppenheimer, Einstein, o Feynman, vistos por la lente del exceso y sin límites presupuestarios. Nos demuestran que la nueva realeza científica es tan fascinante como peligrosa, y queremos que lo siga siendo.

Obligado estoy a mencionar la labor artística, que corre a cargo de Nick Pitarra. No es la primera vez que coincide el equipo artístico, y debo admitir que el resultado ha sido siempre satisfactorio. La sombra de Quitely es larga, pero sus herederos son dignos portadores del testigo.

Anhelo con fruición el desarrollo de la trama, consciente de la trayectoria que los autores han planeado para la misma. El transcurso del tiempo dará paso a nuevas revelaciones tecnológicas y científicas, y el nombre de los protagonistas será relevado a medida que otros elementos tomen su lugar en la historia. Lamento sobretodo la edición de Planeta, con unos precios poco competitivos, tras esquilmarme las portadas; muchos dirán que son reiterativas, y por tanto el lector puede sobrevivir al robo y el timo sin alzar la voz. Yo pienso que se ha perdido la posibilidad de disfrutar de un interesante trabajo de diseño, y no voy a perdonarle la estafa al editor.


Valoración: 8/10

Fábulas. Hombres Lobo en el corazón de América

GUION: Bill Willingham
DIBUJOS: Craig Hamilton, Jim Fern
EDITORIAL: ECC
PVP: 13,95 €


Tomo tapa blanda. 17x26 cm., 144 pag., color. Recopila Fables: Werewolves of the Heartland USA (2012).

Cualquier cómic que tenga en su cabecera la palabra Fábulas acaba situado en mi estantería, en la balda que tan longeva colección mantiene reservada. Y aunque he padecido el lamentable cruce de fábulas, o la decadencia de un interesante Jack, la mayoría de ejemplares cumple con los requisitos mínimos de calidad que exijo. La mayoría.

Incluso con el insigne Willingham implicado en este proyecto, el asunto ya comienza con mal pie, con una trama oculta destapada ya en la página cinco. Los dibujos correrán a cargo de Jim Fern y un tal Hamilton, que si bien demuestran su buen hacer en algunos pasajes, también plantan añoranza por el artista titular de la serie matriz. Y es que uno no puede estar en todas partes, haciendo de todo. Suspenso, pues, en el apartado artístico.

De paseo por el ancho país (USA), Lobo Feroz tropieza con una villa aislada, como la isla del doctor Moreau, donde los desdendientes de su propia sangre mantienen una oligarquía basada en una idea grupal, de manada. Todos hombres lobo, como figura en la portada del cómic, y todos arios y rubios y guapos. Solamente puede acabar de una forma, pero la inaudita inoperancia de nuestro protagonista dejará muchos cabos sueltos.

Inquirir en el vistazo que podemos echar al pasado del protagonista, ya una vez instalado en nuestra mundana dimensión, ejerciendo de sanguinario asesino de las tropas nazis en el Bosque Negro. Más allá de las semejanzas con otro lobo (o carcayú) de tebeo, interesante inspiración en una auténtica pesadilla para los soldados alemanes, que perpetraba matanzas en los nevados y ocupados bosques escandinavos. Entiendo que el parentesco no es casual en esta ocasión.

Me alegra observar que el sello Vertigo todavía significa algo para la editorial DC, pues no se cortan en mostrar alegremente genitales masculinos y femeninos, pezones y vello púbico (glandes todavía no), sin la menor vergüenza en seres humanos o lupinos. Sin la menor pretensión erógena, pero admito el valor de la propuesta.

Era necesaria esta intercesión? Con este guionista, nunca se sabe, pues siempre puede recurrir a tramas pretéritas para conciliar su historia. No obstante, me ha parecido forzada en exceso, poco verosímil en su desarrollo y conclusión. Claro que se trata de un tebeo con una fábula como protagonista; qué esperabas?


Valoración: 5,5/10

Superior

GUION: Mark Millar
DIBUJOS: Leinil Yu
EDITORIAL: Panini
PVP: 19,95 €


Tomo tapa dura, 18x28 cm., 200 pag., color. Contiene Superior 1-7 USA (2012).

Curioso cómic, que se me pasó por alto en primera instancia, gracias a cierta capacidad de supervivencia engendrada para evitar productos dirigidos con mala leche. Si alguien no ha entendido este comentario, debería echar un ojo a otros proyectos de línea semejante perpetrados por Mark Millar, como su nefasta secuela de Kick-Ass, o el esperpento revitalizado con intereses cinéfilos de Némesis (todavía debe costarle ir al baño al tipo que le concedió cierto galardón en una expo de cómic madrileña).

Pero nunca es tarde si la dicha es buena, y ahora me alegro haberle dado una oportunidad a este título, del que bien puedo diferenciar dos segmentos. La primera mitad, homenaje a los tebeos de superhéroes, y al inolvidable pastel de manzana, icono gráfico y moral para generaciones de lectores y autores. Y la segunda mitad, la típica bazofia alimentada para justificar la venta de una historia de género.

La trama se centra en Simon, un muchacho que padece una terrible enfermedad degenerativa, esclerosis múltiple. Si te lo preguntas, no, no tiene cura. Todo terminará un mal día con su corazón gritando basta, y ese momento siempre tarda en llegar, pero llega demasiado pronto. De repente, por gracia divina (o casi), adquiere multitud de maravillosos poderes, que lo convertirá en una clara representación del superhombre. Lo mejor? Ser capaz de mover los dedos de los pies. A mí también se me saltan las lágrimas.

Al final todo resulta ser un plan lamentable de una entidad malevolgica, una pena de giro argumental que destroza una buena historia, para justificar las hostias como panes. Incongruente manera de empaquetar una tragedia realista, con mallas y capas de por medio, para estropear una trama con tanta perspectiva.

Entiendo que, para ilustrar las páginas, hayan optado por Leinil Yu, un muy capacitado dibujante que se regodea en las amplias perspectivas, algo con lo que se desenvuelve mucho mejor que con los planos cortos. Lástima que de estos últimos hay muchos, y sus carencias te golpean demasiado a menudo como para pasarlas por alto.

Poca culpa tiene este señor del desbarajuste final, en cualquier caso. Puedes centrar un capítulo en los padres del protagonista, que sufren de cerca la espantosa enfermedad, y luego deben afrontar (de nuevo) su misteriosa desaparición. Pero es mejor convertir a un mocoso en un gigante verde hipermusculado, y regalar a los aficionados las previsibles escenas de lucha. Por eso me resulta tan difícil puntuar esta obra, pero al final acaban imponiéndose la sensatez y la coherencia. Una lástima.


Valoración: 5,5/10

Rosalie Blum #2

GUION Y DIBUJOS: Camille Jourdy
EDITORIAL: La Cúpula
PVP: 18,00 €


Tomo tapa blanda. 128 pgs color. 17 x 24 cm.

La gran calidad del trabajo de Camille Jourdy reside no sólo en su irónica ternura y en el profundo estudio psicológico al que somete a sus personajes, sino también en su capacidad para trascender los detalles insignificantes. La historia avanza con una lenta cadencia que permite apreciar el tedio de los personajes, a la vez que observar los múltiples detalles con gran poder evocador y el fino sentido del humor que nos ofrece Camille Jourdy, tanto en la narración como en los diálogos y el dibujo.

Me he tomado la libertad de transcribir, literalmente, el comentario sobre la obra que aparece en la contraportada de la misma. No acostumbro a ser tan descarado, pero me parece una aproximación tan afinada y acertada, que permite descansar mis neuronas aunque sea por una vez.

Esta entrega, Arriba las manos, es la segunda de una trilogía que arrancó con Una sensación conocida . Imprescindible lectura previa, aviso, pues aunque pueden entenderse perfectamente, ambas se complementan una a la otra de manera magistral.

En aquella primera obra, dejamos a Vincent, joven peluquero de vida desconcertante, siguiendo los pasos de Rosalie, en un deambular que le permitió aprender a conocerse más profundamente, aunque sin grandes revelaciones. Ahora, observamos el mundo desde el punto de vista de Aude, sobrina de la señora, una chica que no sabe exactamente qué rumbo tomar con su vida, como se manifiesta en su entorno y su comportamiento. Su tarea será seguir al perseguidor, e intentar desenturbiar sus oscuros y misteriosos motivos.

Una vez más, el uso de Camille Jourdy de la psique de sus personajes, apoyándose siempre en los más mínimos detalles capaz de dibujar, se muestra excelente guía para una historia que no deja de crecer a partir del mínimo absurdo. Los secundarios, nuevamente, dotan de riqueza el escenario, dejándonos estupefactos cuando no maravillados con el resultado.

De seguir así, estoy convencido de hallarme ante una de las mejores historias narradas este año, un drama dividido en tres partes, que solamente puede acabar desvelando las miserias cotidianas de los participantes.


Valoración: 7,5/10

Ghost Rider. Autopista al Infierno

GUION: Garth Ennis
DIBUJOS: Clayton Crain
EDITORIAL: Panini
PVP: 12,00 €


Tomo 144 pgs color, tapa blanda con solapas, tamaño 17x26 cm. Colección 100% Marvel. Recopila la miniserie de seis números Ghost Raider: Road to damnation, publicada en EEUU entre 2005 y 2006.

Ghost Rider, más conocido por estos lares como Motorista Fantasma, siempre ha gozado de cierta popularidad entre los lectores, habituales o no, del Universo Marvel. Incluso es el personaje favorito de cierto amigo pammhgero (solo el Cielo conoce el motivo). Puede que ello sea debido a cierta ambivalencia moral de la que nos hace partícipe; desborda crueldad a mansalva para castigar a los malos de turno, el único modo de pasar el código con nota.

Mi relación con el calavera humeante tampoco ha sido muy prolífica. De hecho, solamente me crucé con él cuando, jovencito, buscaba una colección marrullera en la que invertir mi semanada. Morbius y unos moteros competían con Hellstrom por una oportunidad, pero la política editorial marvelita impedía cualquier chance de éxito. Olvido el filme de Cage, pero seguro que la mayoría de vosotros también, por vuestro propio bien.

Ahora me encuentro una nueva aventura del atormentado condenado, conducida nada menos que por Garth Ennis, quien, con todos sus defectos, nunca me defrauda. Propone una historia que resulta familiar, incluyendo un rey demonio dispuesto a liberar legiones demoníacas, y una carrera contrarreloj para evitarlo. Personajes secundarios también reiterativos, como son el demonio cachondo y la arcángel adusta, pero que nunca cansan, y con los que el guionista se siente cómodo.

Pero es Clayton Crain el cebo para que piquemos los incautos, con sus esmeradas ilustraciones tan impactantes que quitan la respiración. Y no es para menos, con una intención inequívoca de llevarnos al huerto en cada una de sus páginas.

No servirá para engancharme a ninguna colección, con un personaje protagonista soso como no hay otro. Pero te hace pasar un buen rato, con esas instantáneas que incluyen legiones demoníacas, y ese enfrentamiento con soldados usados como armas improvisadas, a mamporro limpio. No queda ni uno entero!


Valoración: 4,5/10

Dinastía de M

GUION: Brian Michael Bendis
DIBUJOS: Olivier Coipel
EDITORIAL: Panini
PVP: 23,95 €


Tomo tapa dura. 256 pgs color. 17,5 x 26,5 cm. Colección Marvel DeLuxe. Contiene House of M 1-8 USA.

Aprovechando esta edición tan lujosa y tan completa, dentro del formato escogido por la editorial Panini Marvel deLuxe, me he agenciado uno de los crossovers más publicitados y temidos de los últimos años. Francamente, no he leído críticas entusiastas de la saga, pero un amigo de la casa, Poba, acabó convenciéndome de mi decisión última.

Francamente, después de la decepción que me supuso la lectura de Vengadores Desunidos, pocas ganas tenía de meterme en fregados con los Avengers. Sin embargo, la más reciente alegría que me proporcionó Whedon y sus Astonishing X-Men, fueron acicate definitivo para subirme al carro, y experimentar lo que los marvelitas de pro disfrutan de manera cotidiana.

El planteamiento es fantástico, sobretodo para entusiastas de versiones alternativas y giros de tuerca. Hay una tal Bruja Escarlata con el poder de alterar la realidad; si eso no redefine un Universo comiquero, nada lo hará. El caso es que allí está, culpable de los nefastos sucesos acaecidos pocos meses antes, y acumulando un poder exacerbado. Resultado? Proporciona a los mutantes (y a toda la humanidad, qué demonios!) lo que siempre han deseado, poniéndose ella la corona de la fortuna y la felicidad.

Al principio puede asustar la premisa con la que arranca, y el modo en que Bendis la llevará a cabo. Siempre puede acabar convirtiéndose en el clásico What if, sin consecuencias ni trastornos reales. Afortunadamente, juega limpio, y nos proporciona una realidad alternativa, tan fascinante y divertida como cualquiera. Otra cosa es lo que hicieran los guionistas de cada colección con la propuesta, terreno que no piso por ignorancia y falta de criterio.

Dentro de todo lo bueno, pesa el hecho de que, al final, todo se resuelva tras una serie de mamporros inútiles, peleas multitudinarias que no deben faltar en cualquier título Marvel. También echo en falta al Capi, un personaje que tan buen sabor de boca deja a los aficionados últimamente. Finalmente, sorprende ver a un caracter capital para la compañía, como es Spiderman, transformarse en un cero a la izquierda cuando lo someten a la compañía del grupo.

Coipel demuestra entender cómo funciona esto de dibujar cómics, prodigándose en escenas trepidantes o calmas con igual desenvoltura. Corregidme si me equivoco, pero aun siendo más que correcto, no escala a la cúspide de realizadores de la compañía. Al menos tiene el premio de ilustrar este acontecimiento.

Nada volverá a ser lo mismo. Y qué más? Convengo en que, con el tiempo, los muertos resucitarán, los discapacitados regenerarán, y las cosas volverán a ser lo que deben ser, para que las arcas de las editoriales puedan seguir aumentando en capacidad y tolerancia. Larga vida al mutie.


Valoración: 5,5/10

The Sandman Presenta. Los Chicos Detectives

GUION: Ed Brubaker
DIBUJOS: Brian Talbot
EDITORIAL: Planeta
PVP: 8,95 €


Prestigio 96 pgs color, tapa blanda, tamaño 17x26cm. Incluye The Sandman presents: The Dead Boy Detectives Nº1 a 4 USA.

Charles y Edwin nacieron en las páginas de una de las mejores colecciones de los ’90. Coincidieron dos muchachos implicados en un feo asunto, en una de esas escuelas para chicos donde abundan los abusos y las degradaciones. Cuando la Muerte acudió a cumplir el expediente, agobiada como estaba de trabajo, dejó un cabo suelto en la forma de unos chavales que deciden hacerse detectives.

Estoy hablando, naturalmente, de la serie The Sandman, del otrora ilustre Gaiman. No obstante, las aventuras de los fantasmas detectives proseguirían en el gran relato de La Cruzada de los Niños, pero acabarían un tanto aparcadas desde entonces.

Cuando supe de su regreso en una miniserie de la línea Vertigo, no cupe en mí de gozo. Se tomaron su tiempo en Planeta para proporcionarnos su lectura, pero entiendo que no es más que otro caso de deber cumplido, pues de lo contrario este cómic nunca debiera haber visto la luz.

Los chavales se ven envueltos en un caso detectivesco, en el que deberán hallar al hombre que succiona la vida de jóvenes callejeros. Por el camino aprenderán un par de trucos fantasmales, para ir haciendo méritos.

Parece una idea banal para una historia, más aún si el nombre de Brubaker está detrás; no olvidemos que es el mismo hombre que revoluciona el género negro con su serie Criminal. Pues efectivamente, la base es tan trivial como el desarrollo.

Aparecerán un par de caracteres evocativos de los buenos tiempos, como el holandés errante de Johanna Constantine (que no era holandés, por cierto), o la cargante Hettie la loca desde las páginas de The Dreaming. Por lo demás, anodina trama conducida con absoluta desgana, impropia de un talento como el que lo suscribe.

Los dibujos son otro desengaño. A pesar de ser Bryan Talbot el responsable, nunca había visto un trabajo suyo tan distinto de sí mismo. En estos casos, suelen echarle la culpa al entintador, pero tratándose de Leialoha, cuesta mucho de creer.

Alguien debería explicarme, algún día, cuál es el maldito criterio que utilizan para incluir algunos títulos bajo el sello adulto de esta editorial. Hasta entonces, seguiré catalogando estas estrategias como tomaduras de pelo, o lo que es peor, ocasiones perdidas.


Valoración: 3/10

La Estación de las Flechas

GUION: Samuel Stento
DIBUJOS: Guillaume Trouillard
EDITORIAL: Sins Entido
PVP: 19,00 €


Álbum tapa dura. 104 pgs color. 22 x 30,5 cm.

Ha sido la obra ganadora del Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac-Sins entido 2009. Casi nada. La anterior ocasión, la obra galardonada fue Fueye. Vamos mejorando.

1932: La Mulligan’s Foundation for Youth Education instala, generosa, un expendedor automático de indios en todos los establecimientos educativos norteamericanos.

En la actualidad, una pareja de ancianos, residentes en alguna populosa ciudad española, se hacen con uno de estos frascos, que contienen indios envasados. Pueden ser cheyenes, sioux, apaches, o cualquier otra tribu indígena; en esta ocasión, surgen de la lata un matrimonio con su hijo adolescente.

Poco a poco, se van haciendo a su nuevo hábitat, y no deja de ser sorprendente advertirlos remando el kayak en la bañera. Con el tiempo, forjan una poderosa relación con sus adoptantes, que evolucionará al tiempo que el medio en el que cohabitan. Así, la pequeña residencia acabará adquiriendo proporciones continentales.

Una original y arriesgada propuesta de Samuel Stento, que no se corta a la hora de presentar un panorama de lo más absurdo, con el mérito de evolucionar siempre a un punto cada vez más estrafalario. Concluye con un innecesario planteamiento ecologista, pero que no desentona en absoluto con el contexto de la obra.

Del mismo modo, Guillaume Trouillard se hace partícipe de este arriesgado experimento, explorando los límites del cómic, abordando innovadoras técnicas gráficas y narrativas.

Estupefacto he quedado tras la lectura, de la que todavía no me he recuperado, como tras un sueño de Little Nemo. Simpática y desgarradora, epatante por absurda y por inteligente. Desde luego, con estas iniciativas se demuestra la riqueza del medio, y aplaudo los apoyos recibidos, vengan de donde vengan.


Valoración: 7,5/10

Hellblazer. La Brigada de la Gabardina

GUION: John Ney Rieber
DIBUJOS: John Ridgway
EDITORIAL: Planeta
PVP: 7,95 €


Tomo 96 pgs color, tamaño 17x26cm. Recopila la miniserie de 4 números The Trenchcoat Brigade.

Hace un montón de años, Gaiman sorprendía a propios y extraños con una serie aquí cuidadosamente editada por Zinco, en la que los magos más prolijos del Universo DC mostraban a un floreciente Hunter las características básicas de la magia. Si no habéis leido esta historia, ya estáis corriendo a buscarla en vuestra librería habitual.

El hecho es que, en un momento determinado, el bueno de Constantine (efectivamente, esta es su mejor historia en el mundo del cómic), comentaba la irónica situación que comprometía a cuatro hombres maduros con gabardina, solos contra el peligro, ellos contra el mundo. El papel del cuarteto, más allá de lazarillos acompañantes, nunca quedó aclarado por completo, y todos teníamos la sensación que volverían a las andadas. Cuando finalmente sucedió, no cumplió las expectativas, pero no nos adelantemos.

Además de Constantine, tocapelotas profesional harto conocido, formaban el equipo Mister E, un ciego psicópata obsesionado con la pureza del alma, Errante, un fantasma que duda entre el bien y el mal, y Occult, conformado por dos entidades de distinto sexo ocupando el mismo espacio.

Ha pasado el tiempo, y una amenaza une al grupo, aunque no se molestan en concretar los motivos. Van dando brincos por el tiempo y el espacio, para acabar enfrentándose a los demonios interiores de sus compañeros de aventuras. Ello sirve para conocer algo más a estos caracteres, y para justificar los euros invertidos, por no ponerse a llorar. Al final, salvan los papeles, claro está, y el mundo puede prepararse para morir otro día.

Debo reconocer que ansiaba la publicación en España de esta historia, editada en USA hace ya más de una década. Su retraso se debía, ahora entiendo, a la poca calidad que emana la trama parida por un Ney Rieber todavía mosqueado por tener atadas las manos en la serie Books of Magic, que debía catapultarlo, y lo sepultó. Un vaivén insostenido, una errante interpretación firmada por un big boss compuesto de carne putrefacta, el cáncer de la humanidad llamado culpa. Muy mal llevado.

Los dibujos son responsabilidad de John Ridgway, un nombre que ya ha demostrado su valía más de una vez, y sabe acercarse a ese realismo expresivo tan propio de otros maestros como Talbot. Cumple con su parte, no cabe duda, pero resulta insuficiente.

Resulta insuficiente para un aficionado entusiasmado, anheloso por internarse en ese universo mágico tan poco explotado por extraño, y tan poco conocido por peligroso. Cuando finalmente se arriesgan a invertir en el recurso, les crecen los enanos, confundiendo a un lector que sabe distinguir una buena historia compleja de una confusa trama tramposa. Que lo sepan.


Valoración: 4/10

Bone. Rose

GUION: Jeff Smith
DIBUJOS: Charles Vess
EDITORIAL: Astiberri
PVP: 15,00 €


Tomo 160 pgs color, tapa dura, tamaño 17x26 cm.

Jeff Smith creó a los simpáticos personajes de su colección estrella hace ya una tira de años. Las aventuras de Phone Bone y sus amigos en el asediado valle repercutieron a nivel artístico global, y muchos gozamos de ellas gracias a la labor de Dude en nuestro país.

La gozamos y la sufrimos, pues el trabajó le quedó grande a una editorial pequeña, que acabó desapareciendo bajo las exigencias del cruel mercado, dejando incompleta y deteriorada su imagen tras el paso por la industria. Afortunadamente, Astiberri decidió hacerse cargo de la criatura, remozando la colección desde el principio, en diferentes y loables ediciones, y proporcionándonos los especiales publicados en su país de origen.

Esta es la situación que nos ocupa, tras haber leido y reseñado Estúpidas Mostrorratas, dando carpetazo a una serie que prometía excelencias, y acabó atragantándose con una conclusión fallida. El último aliento nos lo proporciona otro número fuera de colección, este Rose, desvelándonos por fin todos aquéllos misterios que envolvían el pasado del valle y sus habitantes.

Os suenan los nombres de Rose Harvestar, su hermana Briar, y el capitán de la guardia Lucius? Si es así, sabes que estamos hablando de la juventud de dichos personajes, en un mundo que parecía más sencillo y agradable. También sabes que jugamos con un triángulo amoroso, hasta el punto de desvelar pasiones y rencillas como para torcer tan buen destino. En eso se reduce buena parte de la trama, y es a lo que deberemos acostumbrarnos.

Charles Vess es el entusiasta dibujante del cómic, auténtico motivo que me impulsó a su lectura, tras recordar sus trabajos en Stardust, o una novela gráfica de poco interés con Spiderman de protagonista. Muy apropiado para algunas labores, se pierde buscando la perspectiva y la relación de espacios. Mejor para los planos abiertos, generales, donde la acción se detenga en su desarrollo.

En general, una obra carente del ritmo requerido, donde echas en falta esos bichitos tan carismáticos que popularizaron una colección ya mítica. Se responden preguntas largo tiempo formuladas de un modo bastante ñoño, aunque no pierde nunca el tono dramático. Un conveniente, aunque de algún modo decepcionante, cierre a la obra emblema de Jeff Smith.


Valoración: 4,5/10

As de Pique

GUION: Ricardo Barreiro
DIBUJOS: Juan Giménez
EDITORIAL: Dolmen
PVP: 25,00 €


Libro tapa dura. 224 pgs b/n. 17 x 24,5 cm.

Ya llevo unos cuantos años leyendo cómics, os consta. De hecho, estoy más cerca de los 40 que de los 30, y desde que recuerdo, estoy leyendo tebeos, desternillándome con Bruguera, o creciendo con Cimoc. Lo digo porque soy de esos afortunados que poseen el material original de esta obra, publicado años ha por Toutain. Imaginad entonces mis sensaciones cuando advierto esta reedición.

No se puede negar que es una bonita edición, con más de 200 páginas y unas tapas duras y vistosas, que quedan preciosas en la estantería. Ahora bien, tampoco se han contenido a la hora de marcar el precio de venta, que supera los cuatro talegos de los de antes. Curiosamente, cada uno de los dos tomos recopilatorios que comprende la vieja edición marcaba quinientas pesetillas de nada, y lo que es más importante: contenía material que ahora ha desaparecido en el limbo.

Con ello no quiero decir que el resultado sea defectuoso; tan solo que después del desembolso, resulta que no tienes en absoluto todo el material publicado originalmente. Ahora bien, debido a la dificultad de recuperar el primigenio, no queda mal como regalo, apropiado en estas benditas fechas, sobretodo si el destinatario está interesado en la Segunda Guerra Mundial, o mejor, es aficionado al videojuego Blazing Angels.

Dicho esto, la paginación está alterada, y nos topamos con la historia de la muerte del pisaverde capitán Liston Fox antes de la historia en la que efectúa una misión de rutina. Un poco más de vista por parte de la editorial se agradecería, teniendo en cuenta el dispendio económico.

En lo que se refiere al contenido del volumen, poco que decir. Rescatado el género bélico, al más puro estilo Hazañas Bélicas, con actuaciones nobles y valientes, poniendo por encima de la bandera solamente a Dios, pero respetando la camaradería propia de los soldados que comparten destino. No se escapa el tono antibelicista del argentino Ricardo Barreiro, inspirado por su coetáneo Oesterheld, acentuando el auténtico aspecto de la guerra, reflejado en los inocentes que más la padecen.

El auténtico motivo que impulsa a la lectura de este cómic es, sin lugar a dudas, el dibujo de un Juan Giménez todavía muy joven. Su compromiso le lleva a investigar el último detalle de las naves de guerra, siendo su conocimiento algo más que una arraigada afición.

He pasado buenos ratos surcando los cielos de la alemania nazi con un bombardero americano, desafiando las leyes de la gravedad y de la más absoluta lógica, manteniendo en el aire una bestia de varias toneladas surcada de impactos proyectiles enemigos. Alguien sabe conectar el piloto automático?


Valoración: 7/10